Matt Cornish

Matt Cornish, geboren 1983 in Los Angeles, hat einen Master of Fine Arts in Dramaturgie und Theaterkritik der Yale School of Drama. Derzeit macht er in Yale seinen Doctor of Fine Arts, dieses Jahr in Berlin im Rahmen eines Fulbright-Stipendiums. In seiner Dissertation untersucht er, wie deutsche Regisseure und Dramatiker seit 1989 die Geschichte der deutschen Teilung im Theater benutzt oder dargestellt haben. Er schreibt unter anderem für die Zeitschriften Theater, PAJ: A Journal of Performance and Art und TheatreForum.

Blog/Webseite
http://mattcornish.blogspot.com/

Alle Artikel von Matt Cornish

25. Mai 2011 - 17:07 Uhr

Die große plurale Rückschau

Nach drei Wochen zieht das gesamte tt-Blog-Team eine vielstimmige Bilanz, sortiert nach Eingang. Und dann ab.

Fazit im Bildformat. Jakob Kraze Foto: Yehuda Swed

Die Zeit während des Theatertreffens habe ich als eine sehr stürmische erlebt: viele neue Gesichter und Ideen, die einen mitreißen und manchmal auch umreißen können. Aber gerade das ist auch das Spannende – seinen Standpunkt zu verlassen und durch die Augen eines anderen zu blicken. Ich lernte neue Perspektiven kennen und gewann neue Erfahrungen. Das wiederum stärkt die Empathie und hilft, die anderen besser zu verstehen. Wir sind alle sehr unterschiedliche Persönlichkeiten und haben unsere Eigenheiten in die Redaktion eingebracht. Die Symbiose dieser Persönlichkeiten in einem Produkt, dem Blog, fand ich sehr spannend. (Anna Deibele)

Ich erinnere mich an ein Festival, an dem viele starke tolle Frauen beteiligt waren. Intendantinnen, Kritikerinnen, Blogkoordinatorinnen, Stückemarktleiterinnen – die Liste lässt sich fortsetzen. Das Theater bleibt ein Ort, an dem ich mich wohl fühle, mich freue, meine Leidenschaft teilen zu können. Das tt 2011 war für mich auch ein Festival mit einem jugendlichen Geist, mit vielen jungen Autoren, Schauspielern und Regisseuren sowie einem Herbert Fritsch, der energetisch gesehen kaum älter als 30 Jahre alt zu sein schien. Und She She Pop-Vätern, die sich nicht von der Herangehensweise ihrer Töchter abschrecken ließen und so ein selten emotionales Theatererlebnis zugelassen haben. (Grete Götze) Weiterlesen »

22. Mai 2011 - 19:45 Uhr

Kollektiv-Blog der Jurydiskussion

Das  Theatertreffen neigt sich dem Ende zu, und heute Nachmittag stellten sich die sieben Jurorinnen und Juroren Vasco Boenisch, Wolfgang Höbel, Ulrike Kahle-Steinweh, Ellinor Landmann, Andres Müry, Christine Wahl und Franz Wille den Fragen des Publikums zu den zum Festival eingeladenen Produktionen. Die Theatertreffen-Blog-Redaktion schrieb mit und meldet sich hier mit den multiperspektivischen Best-of-Mitschriften.

17:20 Das Internationale Forum verlautbart per Videoeinspielung seine Favoriten. Der schnell geschnittene Clip klingt wie She She Pop Hip Hop Bop. (LL)

17:26 Andres Müry vermisste Andrea Breths „Zwischenfälle“ am Theatertreffen schmerzlich und will die Regisseurin unter Artenschutz stellen. Franz Wille entgegnet galant Richtung Wien: „Ich möchte mich bei Andrea Breth entschuldigen, sie hat es nicht nötig, unter Artenschutz gestellt zu werden.“ „Oh doch!“, wirft Müry ein. Wie auch immer: Gehört das wirklich zu den Aufgaben des Theatertreffens? Dafür gibts doch den WWF. (FA)

17:34 Andres Müry: „Das ist ein nacheilender Gehorsam.“ (She She Pop einzuladen, in der freien Szene hätten sie sich schon durchgesetzt.) Da hat Herr Müry recht. Und trotzdem freue ich mich über diese gehorsame Entscheidung! (GG)

17:48 Andres Müry legt noch einmal richtig los: „Testament” und „Via Intolleranza” fehlen Handwerk, Professionalität und ästhetische Statements, und sind deswegen nicht theatertreffenwert. (MC)

17.54 Moderatorin Barbara Burckhardt fragt, ob die Wiederentdeckung von „Spaß“ eine Anglifizierung des deutschen Theaters mit sich bringt. Plattere Nationsklischees hört man wohl selten. Schade, wo sie doch anderen Begriffen wie dem „Dokumentarischen“ oder „Konsens“ sehr präzise nachspürt. (LL) Weiterlesen »

22. Mai 2011 - 15:59 Uhr

Art is Magic / It Cannot Succeed

From left to right (back): Ahmed Soura; Jean Chaize; Primo; Abdoul Kader Traore; Kandy; Mamounata Guira; Kerstin Grassmann; Issoufou Kienou; Isabelle Tassembedo. Front: Stefa; Wilfried Zoungrana; Jean Marie Gomzoubou Boucougou; Amado Komi. Photo: Aino Laberenz

The man himself finally appears 80 minutes into the 90-minute show, a projection on a curtain of a man standing in front of a projection on a curtain. We’ve heard his emails, even seen footage of him in Africa. And now Christoph Schlingensief stands before us and addresses us directly for the first time, looking almost like a hologram. But is he present?

Schlingensief’s absence has become an almost overpowering aspect of “Via Intolleranza II”, which opened in the Bayerische Staatsoper München in late June of 2010, with Schlingensief himself still able to perform in person with the actors at the end of the evening. It was to be his last production directed to completion, as Schlingensief died just two months later on August 21st at the age of 49, thereby entering the pantheon of German genius artists. But before his lung cancer diagnosis, before his bestselling memoir about the illness, before the sycophantic obituaries, Schlingensief was anything but beloved. He appeared in almost all of his controversial works: assaultive, anarchic, unbalanced, uncategorizable films (“The German Chainsaw Massacre”), stage productions (“Rocky Dutschke ‘68”), and art actions (“Foreigners Out!”). A Schlingensief is not a Schlingensief without the man himself – and knowing he would likely not live out “Via Intolleranza II”’s theatrical run, he wove this paradox into its complex fabric.

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21. Mai 2011 - 16:00 Uhr

Faust in Ethnic Drag?

C: The dog that plays Hitler’s German shepherd Blondie only plays himself. He is always universally a German shepherd. So a German shepherd is seldom cast as a poodle. […]
S: Yeah, what would happen if a poodle was cast as Hitler’s Blondie?
C: Everybody would think that you were performing Faust.
(René Pollesch, Cappuccetto Rosso)

Be careful when you’re casting dogs – your audience will never see a poodle as a German shepherd. In his 2005 play, German playwright and director René Pollesch attacks representative theater for this oppression: women cannot appear as men; representation does not allow them political, social, or artistic equality.

With the rise of Berlin’s Ballhaus Naunynstraße, actors and directors with “migrant backgrounds” (see Cory Tamler’s post-migrant lexicon) have become increasingly visible. This poses a casting challenge to representative theater: can a person who looks „Turkish“  play classic „German“ roles believably – I mean believable for white-bread, bourgeois audiences? Nobody questions the ability of Germans to perform the Russian „Cherry Orchard“ or the American „Death of a Salesman“ – even if I, as an American, do raise questions about too-random signs of Americana in Stefan Pucher’s production of Arthur Miller’s classic, for example. But something changes when a Turkish-German plays a „German“ role…

Suddenly people ask the question Fadrina Arpagaus also notes in her post on the “post-migratory” friendliness of the 2011 Theatertreffen: What story is told when a Turk plays Faust?

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20. Mai 2011 - 10:44 Uhr

All Horse

I had the honor of meeting and speaking with Halito (16 years old, Arabian), a horse who has often appeared on stage and screen, by now cutting a familiar figure in the Berlin theater-going community. Halito played a small but stirring role in tonight’s staged reading of Mario Salazar’s „Alles Gold was Glänzt“ (All That Glitters), the fifth and final play of this year’s Stückemarkt. „Alles Gold“ won the Hörspielpreis at the 2011 Stückemarkt, and will be produced as a radio play in the spring of 2012 (off the record: Halito is playing coy about his ongoing negotiations for an expanded speaking part in this upcoming version).

Though Halito is quite voluble, your knowledge of ‚horse‘ might not be quite sophisticated enough to follow all his answers to my questions in the video included here, so I have included a transcript of our conversation after the jump.

Interview with Halito the Horse, by Anna Deibele from theatertreffen-blog on Vimeo.

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20. Mai 2011 - 0:09 Uhr

Die Gewinner des Stückemarkts sind …

Juri Sternburg (Förderpreis für neue Dramatik), Anne Lepper (Werkauftrag) und Mario Salazar (Hörspielpreis)! Alle drei Preisgekrönten waren bei der Verleihung so verdattert, dass sie, sonst so sprachgewaltig, kaum einen Satz über die Lippen brachten. Weiterlesen »

19. Mai 2011 - 8:14 Uhr

An American Melodrama

After watching the Theatertreffen premiere of „Death of Salesman“, directed by Stefan Pucher, we’re sitting on the banks of the Spree River in Berlin to chat through what we just saw. While we work away – selling our carefully crafted language to our adoring public – the artists are being honored, their hangers-on are smoking and drinking behind us.

Matt: I’m disappointed that we’re getting the Beatles for the premiere party music right now – I feel like Elvis would be more appropriate.

Leo: Definitely. The Lomans tonight even had an Elvis record in their fancy 50s living room.

Friederike Wagner; Jan Bluthardt; Sean McDonagh. Photo: Tanja Dorendorf/T+T Fotografie.

Matt: Did you read it as 50s? I saw the set as more late 60s, with all the burnt-orange furniture and mod chandeliers. And that gorgeous Ford Thunderbird was definitely 1960s.

Leo: True. I have to say that I’m not really sure how to read the period. It felt more like a juxtaposition of any Americana they could get their hands on.

Matt: Like the giant statue of a baseball player for example!

Leo: Or the stand with the USA postcards on it.

Matt: „Death of a Salesman“ was written by Arthur Miller in 1949, and when produced in a „period“ style, it’s usually set in the 1950s. The play has that brooding post-war feeling, in which the idea that everything is possible, if you only put your mind to it, was already proving to be deceptive and destructive. Weiterlesen »

18. Mai 2011 - 18:13 Uhr

American Dreamz

Our friend Guttenberg returns to introduce the American dream before the Theatertreffen premiere of Stefan Pucher’s Schauspielhaus Zürich production of Arthur Miller’s Death of a Salesman (1949).

America is more than just a country, it’s an idea. A shining city upon a hill, built on rocks stronger than oceans, wind-swept, God-blessed, and teeming with people of all kinds living in harmony and peace, a city with free ports that hummed with commerce and creativity. Proud to be an American, the citizens of this country just wanna prove somethin’—“I ain’t no bum . . . It don’t matter if I lose . . . Don’t matter if he opens my head . . . The only thing I wanna do is go the distance“. They know there are some things money can’t buy: life, liberty and the pursuit of happiness

Still, you’ll need to be all about the Benjamins, because greed is good, greed is right, greed works, and greed will save the U.S.A. America this is the impression I get from looking in the television set. America is this correct? I’d better get right down to the job. I’ve got some real estate here in my bag, if you want to build your white picket fence for your family – which is where the nation finds hope, where wings take dream, and dreamz are spelled with a z.

Yes we can.

15. Mai 2011 - 23:23 Uhr

Seitenrang links

Nach jeder tt Premiere fragen wir Zuschauer, die auf den Rangplätzen sitzen, nach ihrer Meinung. Für die Vorstellungen der „Nora“ in der Regie von Herbert Fritsch ist ein Fanclub des Theaters Oberhausen nach Berlin gereist.  Wir haben einen Fan befragt:

Was fanden Sie an der Inszenierung bemerkenswert?
Der unkonventionelle Umgang mit der Ibsenvorlage, aber trotz der Verfremdungseffekte war alles noch gut erkennbar.

Wie haben Sie die Karte bekommen?
Ich habe sie im Vorverkauf im Internet gekauft.

Warum wollten Sie gerade diese Inszenierung sehen?
Ich stamme aus Oberhausen, sah die Premiere da und wollte „Nora“ unbedingt auch beim Theatertreffen sehen.

Was war Ihr Lieblingsspielzeug als Kind?
Ein Lego-Kasten. Ich habe eine Bühne gebaut und selber Stücke inszeniert!

15. Mai 2011 - 15:00 Uhr

Guttenbergs Nora

Manja Kuhl (Nora); Jürgen Sarkiss (Rechtsanwalt Krogstad). Foto: Thomas Aurin

Herbert Fritsch erzählt Ibsens „Nora oder Ein Puppenhaus“ im Theater Oberhausen als eine Geschichte von oft gar nicht so unterschwelligem Horror und von Perversion im Familien- und Bekanntenkreis. Unbekümmert bedient sich der Regisseur bei filmischen Mitteln des Horrorgenres und der Märchenwelt. Eine düstere und groteske Kombination, hörbar auch durch disharmonische, schrabbelige Hitchcock-Töne. Mit bleich geschminkten Gesichtern und blasser Kleidung (Kostüme: Victoria Behr) scheinen die Figuren dieser Geschichte ihren Gräbern entstiegen zu sein. So vielfältig und pointiert schildert Manja Kuhl mit ihren Bewegungen den Charakter und die Lebenssituation der Nora – ein Figürchen, wie einer Spieluhr entnommen – dass das gesprochene Wort zur Hintergrundmusik gerät. Neben dieser starken Figur, die Kuhl in einem körperlichen Kraftakt ausspielt, geraten die anderen Personen leicht zu Statisten. Nicht ein neuer Denkansatz, nah am Kitsch, übersexualisiert bis ins Obszöne, sehr ernst nimmt der frühere Castorf-Protagonist Herbert Fritsch Nora und ihren Konflikt wirklich nicht, so kurzweilig und hübsch der Abend auch ist.

13. Mai 2011 - 13:26 Uhr

Ably and Competently

Don Carlos staged thoroughly as Don Carlos

The men who hold the power stand at the back of the stage, literally behind the scenes. They wait quietly in dark suits and sunglasses, their hands behind their backs, casting large, looming shadows. In the lights at the front of the stage, the men who struggle and cry and storm recognize their limitations only at the end, not having imagined that the walls towering proudly around them only keep them in, that their protectors actually limit their freedom, controlling the actions they believed they were choosing themselves.

Burghart Klaußner; Christian Friedel; Matthias Reichwald; Thomas Eisen; Christian Erdmann. Photo: David Baltzer

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12. Mai 2011 - 15:40 Uhr

She He Chat

In Testament, the performance group She She Pop brings their own fathers onstage. Through questions, through songs, and through re-enactments of rehearsals, phone calls and arguments, She She Pop uses „real“ material to explore the „real“ generational shift happening in their „real“ lives. After seeing the show, Matt and Cory shared thoughts through a „real“ GChat session.

Cory and Matt GChatting about Testament.

Cory: Okay. Let’s talk about Testament. My mom read Leo’s interview with one of the fathers, and she’s jealous. She wants me to do a production with moms.

Matt: Well, She She Pop is not planning a production with mothers, so it’s open for you! Your mom was able to read Leo’s interview in German?

Cory: Yes. She lived in Germany, years ago.

Matt: Cool! I didn’t realize until yesterday that the German word „Testament“ is not the same as the English testament, which has a much broader definition.

Cory: What is it specifically in German? Testament as in, will?

Matt: Yup.

Cory: While in English it can mean a lot more. Tribute, for example. Or statement.

Matt: And I found the performance itself to actually have quite an American feel to it. Weiterlesen »

11. Mai 2011 - 22:42 Uhr

Noch wirklicher!

Unser Live-Blog vom Publikumsgespräch zu „Testament“. Mieke und Manfred Matzke, Sebastian und Joachim Bark, Fanni und Peter Halmburger, Lisa Lucassen, Barbara Burkhardt (Moderatorin), und Christine Wahl (Theatertreffen-Jurorin) sitzen auf der Bühne und erwarten uns.

22:30 Barbara Burckhardt: Es gibt mehr Töchter und Väter in der Besetzung als es eigentlich Platz in der Inszenierung gibt. Wie funktioniert das in verschiedenen Vorstellungen?

Mieke Matzke: Ja! Wir haben insgesamt vier verschiedene Versionen. Manchmal muss irgendjemand mit den Kindern zu Hause bleiben oder reist und kann nicht mitspielen.

22:40 Burckhardt: Die Szene, wo ich immer an meisten mitgenommen bin, ist die langsame Steigerung der Pflege. Wie entstand die Szene? Weiterlesen »

10. Mai 2011 - 12:18 Uhr

Nullwachstum

Lena Schwarz als Ljubow Andrejewna Ranjewskaja und Matthias Bundschuh als Leonid Andrejewitsch Gajew in "Der Kirschgarten", Schauspielhaus Köln. Foto: Sebastian Hoppe

Im Anschluss an die Premiere von Karin Henkels Kölner „Kirschgarten“-Inszenierung trafen sich die Blogger Matt, Anna und Fadrina im Blogger-Büro zum kritischen Gespräch. Der „Kirschgarten“ ist heute um 16 Uhr und um 20.30 Uhr im Haus der Berliner Festspiele zu sehen, es gibt noch Karten.

Fadrina: Ich finde die Inszenierung ästhetisch interessanter als inhaltlich. Was für mich den Abend ausmacht, ist das Spiel mit den unterschiedlichen Tempi, die sich überlagern: das ständige im Kreis Gehen, die übersteigerte künstliche Hektik, die Wiederholungen – bis plötzlich in seltenen Momenten der klassische Tschechow-Stillstand durchbricht, aber gleich wieder von der Bewegung übertüncht wird. Und dann auch das Spiel mit Genres und Stimmungen: Die Inszenierung ist Schaubuden-Schnulze, Fratzen-Komödie und manchmal schlafwandlerische Gespenstersonate. Spannend war, dass die Stimmungen immer so schnell gebrochen werden, dass man als Zuschauer gar nicht die Möglichkeit hat, sich in einer Atmosphäre niederzulassen. Das „Zuhause“ wird damit auch auf dieser Ebene verunmöglicht.

Anna: Also ich finde es vor allem interessant, dass alle Personen in einer unterschiedlichen Zeit leben. Zum Beispiel die Figur der Ljubow Andrejewna Ranjewskaja, die in zwei Ereignissen „stehen geblieben“ ist – dem Tod ihres Sohnes und der zerbrochenen Liebe mit ihrem fremdgegangenen Mann in Paris. Lopachin hingegen lebt im Jetzt, in der Arbeit und in der Ideologie des Geldes. Die anderen Personen reihen sich in die Vergangenheit und das Jetzt ein oder stehen dazwischen. Dadurch reden fast alle Beteiligten aneinander vorbei.

Matt: Die Figuren – die Diener, der Adel und „New Money“ – stürmen die Zuschauer an; sie singen, tanzen und wirbeln auf der Bühne herum wie Spieluhr-Puppen. Das ist eine Zirkustruppe, und Karin Henkel nimmt im wahrsten Sinne des Wortes Tschechows Hinweis ernst, dass das Stück eigentlich Vaudeville ist. Die Schauspieler entwickeln eine großartige Energie, und Charly Hübner als Lopachin, breit und groß in seiner „bad-taste“-Kleidung, illustriert Tschechows Charakter in glänzenden Farben.

Fadrina: Ja, das ist es doch genau: Die Inszenierung ist eine Illustration des Textes, mehr nicht! Wer den „Kirschgarten“ inszeniert, muss auch wissen wieso, denn das Stück ist so oft gemacht worden, und ich finde, es reicht nicht mehr, eine allgemeinmenschliche Parabel mit den klassischen Tschechow-Themen auf die Bühne zu stellen, auch wenn es schön ist. Weiterlesen »

9. Mai 2011 - 12:54 Uhr

U – S – A!

A German, a Pole, a Romanian, and an Englishman sit down for a discussion in front of an audience in Berlin.

From left to right: Małgorzata Sikorska-Miszczuk, Peca Ştefan and Simon Stephens. Foto von Piero Chiussi.

What language do they speak? English, of course. I don’t imagine that you had to guess.

“How embarrassing. This is the nature of colonialism. But at least I can blame America!”

British playwright Simon Stephens (Christmas, Pornography, The Trial of Ubu, and quoted above) gave the keynote address at the opening of the 30th Theatertreffen Stückemarkt (play market) this afternoon. Though he’s widely produced internationally, especially in Germany, he can’t speak any languages other than his imperialist own. Luckily, everybody speaks passable English and they’re willing to humor him (and the rest of us Anglophones). Even though the German, Pole, and Romanian playwrights also on stage – Stefan Schmidtke, Małgorzata Sikorska-Miszczuk (2011 Stückemarkt invitee), and Peca Ştefan (2010 invitee) – are perhaps more comfortable with Russian.

I, for one, am glad not to have to learn Russian to get around in the world. „U – S – A!“ But back to the keynote address.

Stephens has learned five things by having his plays staged in Germany by director Sebastian Nübling, watching his crafted dialog disappear into incomprehensible babble. You can read about these five points in his speech, posted here (preview: the German theater „may be loosely defined as swimming in a surprising amount of both blood and sperm.“)

Addressing the necessity of international productions for playwrights, to close the debate that followed his speech, Stephens said, “What we do as writers is try to tell a story that helps us to understand ourselves and our relationship to society. When I travel, the world shifts. And I try to bring that into my plays.” His advice to young playwrights is to travel and to think like a soccer/football player: Don’t think too far ahead. Just pass the play, take the shot. “If you think about your career, you’re fucked. All you can do is write your next play, make the next line as good as possible.”

And try to get your work translated into English, of course.