Zum Hören: „Kritik in der Krise? Eine neue Version ist verfügbar"

Alumni-Bloggerin Eva Biringer stellt in ihrem Beitrag „Kritik in der Krise? Eine neue Version ist verfügbar” die strahlende Zukunft der Theaterkritk vor.

Das Theatertreffen-Blog 2014 versucht in diesem Jahr erstmals alle schriftlich verfassten Texte auch als Audiobeiträge zu präsentieren.
Den vorliegenden hat die Schauspielerin Sandra Schreiber  freundlicherweise für uns eingelesen.

 

Theatertreffen final: three questions to follow-up

A final note by Nathalie Frank, stage editor by our partner magazine Exberliner

TT14 is over! Was it „interesting as never before”, as predicted Berliner Festspiele’s director Thomas Oberender on the first evening? Being in Berlin for not even three years I cannot judge whereas “as never before” applies for this 51st festival, but it was for sure an exciting edition that raised crucial theatrical issues. To finish my blogging contribution I would like to examine three questions to follow-up:

How far can theatre and Internet work together?
Parallel to the opening weekend of the Theatertreffen a conference on “Theater and the Net” took place at the Heinrich Böll Stiftung. An opportunity to discuss the possible cross-overs between two a priori antinomic media, the living theater and the virtual world wide web. How can one respond to the other, or can they reflect on each other? And, what concerns precisely the Theatertreffen-Blog adventure: what kind of opportunities can theatre criticism use within the web platform? In that sense, the blog can be seen as an experiment, a try, within a small team, to respond to a theatre festival not only with texts, but with multimedia formats: videos, sketches, graphical responses or soundtracks. As an experiment it can and should be discussed further. Your feedback on these tries or inputs concerning the possible relationship between the Web and the Theatre are welcomed at stage@exberliner.com.

Who copies who and is that relevant?
Plagiarism was a highly discussed issue at this year’s Theatertreffen. It started with journalist Wolfgang Behrens who found out that jury-member Daniele Muscionico, instead of writing her “justification” for the choice of the “Journey to the End of the Night” by herself, had copied it for a large part from the Residenztheater’s advertising material. This raises obviously the question of the credibility of a choice that cannot even be justified by a jury’s own words. Wolfgang Behrens published his discovery on the portal nachtkritik.de and as an answer became official excuses from both the festival and Daniele Muscionico. But a few days later nachtkritik.de went further in investigation and found out that the same jury member copied another text to justify another choice last year already. This was too much for the Theatertreffen. Daniele Muscionico resigned from her position in the TT- Jury immediately. This was also necessary  to preserve the festival’s credibility. How that could happen in such a big organization with many controlling instances remains a mystery.

On May 11, one day after the first Muscionico’s case was made public, Alain Platel’s production “tauberbach” had to face similar accusations. Before the performance began, the dance collective Grupo Oito from the Ballhaus Naunynstr. demonstrated in front of the house and distributed leaflets stating that Platel’s work was inspired by Ricardo de Paula’s piece “Sight” that premiered a year before “tauberbach” in Berlin. It turned out that this accusation – later denied both by Platel and de Paula – was more of a way to discuss Platel’s “post-colonial” view on Estamira, both pieces’ central character living in a Brazilian favela. Although the plagiarism accusation is a shameless way to raise up a debate, these questions belong to contemporary Western theatre and you might want to make your own opinion on that case. By waiting until the Ballhaus Naunynstr. plays “Sight” again (appetizer in the trailer). And by making a trip to Munich or Frankfurt to catch “tauberbach”, my personal TT14’s highlight (at the Münchner Kammerspiele on June 9-12, at the Künstlerhaus Mousonturm on June 17-18).

What kind of theatre deserves to be presented as “remarkable”?
The ongoing burning question at the Theatertreffen since many years never seems to find a proper, clear answer. As a background information: since the 1970s the German states-and municipal theaters landscape cohabit with a flourishing independent scene, that differs a lot with big stages in terms of size, production and financing structure. However relevance and quality are well represented in both scenes. So why should the choice of the “10 most remarkable works” of the year systematically heavily advantage the states-and municipal theaters? The question is as simple as the answers are multiple and contradictory. The audience couldn’t take independent experiments? Small productions couldn’t compete with the giant masters who can afford huge stages? They would only look ridiculous?
Or is it a structural problem, as stated by jury member Barbara Burckhardt during the jury’s final talk: the independent productions are usually performed three or four times in a row and sometimes never again.  If one jury member likes it, this makes it difficult for the other jury’s members to see it. The state-and municipal theatre system, playing repertoire pieces repeatedly month after month with a permanent ensemble, is thus advantaged: if a jury member sees a good show, the others can travel and see it a month later. The argument is clear thus questionable: shouldn’t a festival that pretends to select the “10 most remarkable plays of the year” be able to rethink its structure and selection process in order to adapt to a flourishing and diverse theatrical landscape?
As if a statement had to be made, the only selected piece from the independent scene, Rimini Protokoll’s “Situation Rooms”, could not attend the festival – the project is co-produced internationally and was already booked for Paris and Athens in May. Berliners, the piece is coming at the HAU in December.
Yet a promising step toward aesthetic diversification was made this year, although to the detriment of young authors whose yearly competition was cancelled: the Stückemarkt, traditionally a selection of fresh texts, was transformed into a platform featuring and discussing new forms of authorships and theatrical forms (for more information see my overview article on the Stückemarkt as well as interviews with the three invited artists, Miet Warlop, Chris Thorpe and Mona el Gammal). Interesting forms were represented and one can only hope they would deserve to be presented next to the blockbusters are part of the “remarkable” German theatre landscape.
What can we expect for 2015? Three jury-member out of seven are being replaced – apart from the specific case of Daniele Muscionico, two more jury members, Anke Dürr and Christoph Leibold, finished their three-years-service. With almost half of fresh blood, the new jury have a good excuse to rethink its politic and have the courage to really reflect on the fabulous diversity of the German theatre landscape.

Krise der Kritik? Eine neue Version ist verfügbar

„Sie können bestimmte moderne Inszenierungen gar nicht mehr beurteilen, wenn Sie nicht häufig ins Kino gehen, häufig Fernsehen gucken und sich mit dem Internet ein bisschen auskennen.” So beschreibt der Theaterkritiker Matthias Heine die Vorraussetzungen für seinen Beruf. Das Zitat stammt aus Vasco Boenischs 2008 erschienener Studie „Krise der Kritik? Was Theaterkritiker denken – und ihre Leser erwarten.” So anregend die Lektüre ist, so eklatant deren Leerstelle: das Internet kommt bei Boenisch praktisch nicht vor.

Reicht es für einen Theaterkritiker, sich „ein bisschen mit dem Internet auszukennen?” Wäre es nicht Zeit für ein Update seines Gegenstands? Fordern die gegenwärtigen gesellschaftlichen Umbrüche nicht andere Formen der Kritik? Ich glaube ja und zwar aus zweierlei Gründen: Zum einen hat die Theaterkritik ein Relevanzproblem. Die alte Leserschaft stirbt im wahrsten Sinn des Wortes aus, für viele Angehörige der folgenden Generationen spielt Kritik keine Rolle, wenigstens nicht jene im Zeitungsfeuilleton. Zumal dieses Zeitungsfeuilleton im Besonderen und die Kulturkritik im Allgemeinen immer weniger Geld für diejenigen abwirft, die sie füttern. Zum anderen beeinflusst dieses Internet unsere Wahrnehmungsstrukturen und Kommunikationsformen. Steht Information bei einer Kritik wirklich noch an erster Stelle, wenn Information ein allseits verfügbares, ja inflationäres Gut ist? Wer wissen möchte, worum es im “König Lear” geht oder was der Regisseur Stefan Pucher zuletzt inszenierte, braucht bloß zu googeln. Wer einen Eindruck der Inszenierungsästhetik vom neuen Pollesch-Stück bekommen möchte, sieht sich den Trailer auf der Website der Volksbühne an. Wer die Aufführung als ganzes sehen möchte, muss sie (noch) besuchen. Selbst das wird sich möglicherweise ändern, wenn man die Idee der Theaterwissenschaftlerin Tina Lorenz weiterspinnt, die den Theatern vorschlägt, ihre Aufführungen als Stream zur Verfügung zu stellen. Eine rein beschreibende Kritik ist spätestens dann überflüssig.

Um Missverständnissen vorzubeugen: Ich glaube nicht, dass die Theaterkritik verschwinden wird. Die klassische Printkritik (zumindest vorerst) ebenso wenig wie die fundierte Expertise im Netz. Aber sie wird sich ändern. Vielleicht muss sie es sogar, wenn sie nicht sterben will.

Verschiedene Versionen stehen zum Update bereit. Erstens: Die Kritik nimmt eine eitlere und gleichzeitig bescheidenere Haltung ein. Während im US-amerikanischen Journalismus das Schreiben in der ersten Person nichts Ungewöhnliches ist, gilt hierzulande das Diktat der sogenannten Bescheidenheit. Statt des fehlbaren Subjekts, spricht die Stimme der Allwissenheit, in der Literatur spricht man vom auktorialen Erzähler. Für den Nachrichten-Journalismus mag das ja gelten, aber verlangt ein derart individuell-affektvoller Gegenstand wie das Theater nicht die Kenntlichmachung der eigenen Sicht? Denn der Kritiker ist so fehlbar wie sein Leser. Das soll keinesfalls heißen, dass ersterer das Feld räumen soll. Zugegeben braucht es die Expertise in der Informationsflut dringender denn je. Aber ein Schreiben in der ersten Person ist nicht gleich Selbstbespiegelung. Im Gegenteil: Die Betonung des subjektiven Aspekts impliziert mehr Bescheidenheit – Bescheidenheit das eigene, fehlbare Urteil betreffend.

Das zweite Update betrifft die Form. Größtenteils unterscheidet sich das professionelle Schreiben im Netz bislang nur unwesentlich vom Printfeuilleton. Zwar widerlegt dies alle Internet-Skeptiker, die den Medienwechsel mit Qualitätsverlust gleichsetzen, aber es ist schade um die ungenutzten Möglichkeiten. Warum nicht „ungeschützter, offener, dialogischer, experimenteller“ schreiben, wie es der Kulturjournalist Tobi Müller fordert? Von Seiten der Printfeuilletons ist Müller zufolge in dieser Hinsicht nichts zu erwarten. Warum nicht das Internet als Spielwiese nutzen? Nicht zwangsläufig bedeutet geht das mit einer intellektuellen Verknappung einher. Ich wehre mich entschieden gegen den Vorwurf, für die kurze Aufmerksamkeitsspanne meiner Generation müsse alles häppchenweise aufbereitet werden. Wahr ist jedoch, dass das Netz unsere Rezeptionsgewohnheiten grundlegend ändert. Warum nicht diesen Änderungen Rechnung tragen in Form pointierter, Blog-ähnlicher Formate wie den Shorties auf Nachtkritik als Ergänzung zu den bereits ausführlich besprochenen Inszenierungen, die sowieso online sind? Warum keine Erlebnisberichte, wie sie sich für experimentelle Theaterformen anbieten, etwa den 24-stündigen Performancemarathon „Unendlicher Spaß”  oder Vegard Vinges „12-Sparten-Haus”? Oder die Erweiterung des reinen Text hin zu anderen Formaten, wie es der diesjährige Theatertreffen Blog vormacht? Warum nicht „Sehen mit dem Smartphone in der Hand“, statt nur mit dem Stift?  An das Potential von Twitter im Theater glaubt nicht nur die Nachtkritik-Chefredakteurin Anne Peter. Auch ich fasse seit einiger Zeit nach jedem Theaterbesuch meinen Eindruck in einem Tweet zusammen. Nicht selten feile ich den ganzen Abend hindurch an diesen 140 Zeichen. Ich will nicht behaupten, dass dies eine mehrere tausend Zeichen lange Kritik ersetzt – aber etwas anderes, etwas neues entsteht.

Die dritte Version betrifft das Verhältnis zu den Lesern. Früher waren diese dem SZ-Kritiker Till Briegleb zufolge „die anonyme Masse.” Heute beteiligt sich diese Masse am Diskurs. Wenn der Leser frei nach Roland Barthes vom Autor zum User und schließlich zum Kurator seiner digitalen Identität wird, wird er sein Recht auf Teilhabe auch im Bereich der Theaterkritik einfordern. Dies geschieht bereits in den Kommentarspalten auf Nachtkritik. Die Meinung des Autors einer Nachtkritik zählt nicht per se mehr als die seiner Leser, zumindest ist sie permanent auf dem Prüfstand. Manchmal ist das lästig, manchmal ärgerlich, vermeiden lässt es sich nicht. Wenn Wissen allumfassend, ortsungebunden und dual strukturiert ist (jeder trägt dazu bei und jeder kann es abrufen), dann lösen sich Allmachtsansprüche auf.

Wir alle, die wir Theater lieben und die Theaterkritik als den dazugehörigen notwendigen Diskurs, sollten uns fragen, ob diese im Stillstand verharren kann, wenn um sie herum der Sturm losbricht. Nicht, weil „die alte Zeit nicht wiederkommt” (Dirk von Gehlen, von dem ich mir den Titel dieses Essays geborgt habe, über die dereinst paradiesischen Zustände der Kulturkritik), sondern weil eine neue Zeit angebrochen ist, eine, in der viel passiert und alles passiert gleichzeitig. Manchmal ist das anstrengend. Aber dieses Internet ist nun mal da und geht nicht mehr weg. Und manchmal verdanken wir ihm ja auch ganz wunderbare Ereignisse. Dann sitzen wir im Theater, feilen an Tweets, sehen anders, betrachten im Kollektiv, schreiben anschließend die Kritik, verlinken zu Wikipedia und Youtube, werden von einem Kommentator um Erklärung gebeten, sortieren unsere Gedanken neu, stolpern über Referenzen, sprechen mit Freunden darüber, zeichnen das Gespräch auf, stellen es ins Netz, twittern den Link, werden retweetet, berichtigt, bestätigt, widerlegt und immer fort und staunen über das Wahnsinnsfeuerwerk, vom Theater und diesem Internet in unseren Köpfen gezündet. Vielleicht kann eine neue Version der Theaterkritik dessen Zündschnur sein.

Eva Biringer bloggte 2013 über das Theatertreffen und schenkt uns in diesem Jahr einen Gastbeitrag. 

Die Berliner Zeitung ist Partner des Theatertreffen-Blogs.

„Die Grenzen müssen aufgehoben werden" – Ein Interview mit Journalistin Maike Hank

Manuel Braun traf während des Theatertreffens verschiedene Persönlichkeiten, um über das Verhältnis von Theater und Netz zu sprechen. Darunter waren z.B. Johan Simons und Ada Blitzkrieg. Nun unterhielt er sich mit der Journalistin Maike Hank darüber.

Ich treffe mich mit Maike Hank in einer Berliner Eckkneipe. Seit Jahren lese ich sie auf Twitter und freue mich wahnsinnig, sie endlich persönlich kennenzulernen. Ziel des Gesprächs soll es sein, herauszufinden, wie gesellschaftliche Diskurse im Internet entstehen und wie das Theater als Impulsgeber dazu beitragen kann. Maike Hank ist Print-Redakteurin und schreibt seit 2002 auch online. An einer der ersten Buchveröffentlichungen über die deutsche Blogosphäre, „Blogs! Fünfzehn Blogger über Text und Form im Internet – und warum sie das Netz übernehmen werden“, war sie als Autorin beteiligt. Das Buch erschien 2004, also fünf Jahre bevor das erste Theatertreffen-Blog das Licht des Netzes erblickte. Sie ist außerdem Autorin des Kollektivblogs „kleinerdrei“, wo regelmäßig Texte zu verschiedenen, meist gesellschaftlichen und popkulturellen Themen, veröffentlicht werden. 2013 erschien dort ihr Text „Normal ist das nicht!“, der u.a. die Entstehung des Hashtags #aufschrei und damit eine nationale Debatte über Sexismus auslöste.

Manuel Braun: Was ist der #aufschrei?
Maike Hank:
Anfang 2013 erschien im Stern ein Porträt von Laura Himmelreich über Rainer Brüderle. Die Journalistin erhob in diesem Artikel Sexismusvorwürfe gegen den Politiker. Schon davor hatte Annett Meiritz im Spiegel über frauenfeindliche Erlebnisse im Umfeld der Piratenpartei berichtet. Zufälligerweise erschien am selben Tag  ein schon lange geplanter Text von mir, der sich mit sexuellen Übergriffen im Alltag beschäftigte. Der Beitrag motivierte Nicole von Horst, abends auf Twitter, von ihren persönlichen Erlebnissen mit sexuellen Übergriffen zu berichten. Anne Wizorek schlug daraufhin vor, die Erfahrungen unter dem Hashtag #aufschrei zu bündeln, angelehnt an den Hashtag #shoutingback des Everyday Sexism Projects. Unglaublich viele Frauen folgten, ohne einen expliziten Aufruf, Nicoles Beispiel, weil sie sich von dem Mut anstecken ließen und genau so ein Bedürfnis hatten, ihre Geschichten zu teilen. In der Nacht wurden unfassbar viele Tweets veröffentlicht. Sie erzählten von persönlichen Erfahrungen von Frauen, die sexuell belästigt oder missbraucht wurden. Das war unglaublich! Selbst jetzt, wenn ich darüber spreche, bekomme ich sofort wieder Gänsehaut. Und es hörte nicht mehr auf. Jeden Tag wurde weiter in dieser Form zu dem Thema getwittert. Alle Tweets dazu können hier nachgelesen werden. Unter alltagssexismus.de können Betroffene anyonm ihre Erfahrungen teilen.
#aufschrei fungiert mittlerweile als Label für das, vormals als verstaubt angesehene, Wort Sexismus. Der Hashtag und alle, die sich konstruktiv an der Debatte beteiligten, haben im vergangenen Jahr als erster Hashtag überhaupt den Grimme Online Award gewonnen.

MB: Wie wurde aus der persönlichen Erfahrung eine deutschlandweite Diskussion?
MH:
Wir hatten das Glück, dass die Mainstream-Medien mit Rainer Brüderle einen Aufhänger für das Thema hatten, denn es war Wahlkampf. Noch heute denken die meisten, dass er der Auslöser für #aufschrei war. Das stimmt so nicht. Er, bzw. die Diskussion um sein Verhalten, war höchstens der Katalysator, der das Ganze vom Internet in die Zeitungen und vor allem ins Fernsehen gebracht hat. Günther Jauch hatte danach kurzfristig das Thema seiner Sendung geändert, und auf einmal saß Anne Wizorek dort. Das war verrückt und toll. #aufschrei hat die Diskussion auf den Alltagssexismus ausgeweitet – vorher ging es ja noch ausschließlich um das Verhältnis zwischen Politikern und Journalistinnen.

MB:  Werden diese Themen, über die du schreibst, auch  im Theater verhandelt oder aufgegriffen?
MH:
Ehrlich gesagt: ich habe keine Ahnung. Bis auf Podiumsdiskussionen zu dem Thema Sexismus, kann ich mich an nichts erinnern. Eine Freundin hat mich neulich darauf aufmerksam gemacht, dass im HAU demnächst ein Festival stattfindet, das sich mit Kunst und Politik nach Fukushima auseinandersetzt. Dafür interessiere ich mich sehr, aber ohne die Freundin, hätte ich das gar nicht mitbekommen. Ich gehe nämlich eher selten ins Theater und dann kaum in Stücke, die etwas offensichtlich Politisches, Aktuelles verhandeln. Das ist ganz sonderbar, weil für mich beim Kino diese Hemmschwelle nicht da ist. Neulich habe ich mir die „Paradies”-Trilogie von Ulrich Seidl am Stück angeschaut. Wenn so etwas im Theater gespielt würde, hätte ich gleich wieder das Gefühl, sicher irgendwas nicht zu verstehen, nicht diskursfähig oder intellektuell genug zu sein. Im Theater habe ich auch nicht das Gefühl, mich verkriechen zu können. Vielleicht fühle ich mich durch die Präsenz der Schauspieler und Schauspielerinnen dazu verpflichtet, Stellung zu beziehen, anstatt mich unbemerkt fallen zu lassen, so wie im Kino. Die Präsenz der Schauspieler ist aber eben auch gerade das Tolle. Wann immer ich dann doch mal im Theater lande, bin ich meistens ziemlich beeindruckt.

MB: Passen Theater und Netz überhaupt zueinander?
MH:
Aber ja! Alles, was es „draußen in der Welt” gibt, passt zum Netz. Das sind keine getrennte Welten. Das Internet bietet doch unzählige Möglichkeiten und eine hervorragende Infrastruktur, um Menschen zu erreichen, die Berührungsängste haben. Noch am ehesten findet man die Verschränkung von Theater und Internet bei kleinen, freien Projekten, die kaum Geld für Werbung und die Technik haben. Schwieriger wird es bei den großen Häusern, die sich doch eigentlich richtig austoben könnten. Ich habe keine Lösung, wie die Hemmschwelle gegenüber dem Theater abgebaut werden kann. Aber ich weiß, dass es mich meist stört, wie beim Theater selbst und auch in den Feuilletons über das Theater gesprochen wird. Als Laie fühle ich mich dadurch ausgeschlossen. Diese Sprache sagt mir: da gehörst du nicht hin und schon gar nicht hast du die Berechtigung, darüber zu urteilen, denn du hast keine Ahnung.
Immer, wenn ich im Theater war, fiel es mir schwer, andere irgendwie mit Material zu versorgen, das die Emotionen weckt und vermittelt, die  mich an einem Stück so ergriffen haben. Es wäre also vielleicht ein Anfang, online viel mehr Snippets zu den Stücken bereitzustellen: Making-Ofs, Interviewfragmente, ganz kurze Ausschnitte – oder womöglich sogar animierte Gifs. Das halbe Internet kommuniziert doch mit animierten GIFs.
Die Schaubühne hat zum Beispiel immer tolle Plakate. Könnte man mit den Sprüchen und den Ensemblemitgliedern nicht viel mehr Content erstellen, der dann im Netz verbreitet werden kann? Generell muss man einfach viel mehr ausprobieren, rumspinnen und auch mal vermeintlich Abwegiges versuchen. Erfolg und Verbreitung im Netz sind unberechenbar. #aufschrei war ja auch keine geplante Aktion.
Die Verantworlichen in den Theatern sollten sich außerdem die Mühe machen, solche Menschen mit diesen Netz-Aufgaben zu betrauen, die das Internet nicht nur kennen, weil sie dort Bücher bestellen und sich Konzertkarten kaufen. Das müssen Menschen machen, die das Internet lieben und dort zu Hause sind.
Außerdem könnten sie sich Leute aus dem Netz mit Reichweite suchen, die in Blogs übers Theater berichten. Und zwar keine Experten und Expertinnen, sondern Menschen, die an Geschichten und Themen interessiert sind, und die sich trauen dürfen, in ihrem Duktus und mit ihrer Herangehensweise über Inszenierungen zu schreiben. Ganz ohne theaterwissenschaftllichen Hintergrund, und ohne sich in der Szene auszukennen. Die Grenzen müssen aufgehoben werden!

Die Berliner Zeitung ist Partner des Theatertreffen-Blogs.

Zum Hören: Warum wir twittern

Was haben eigentlich alle mit diesem Twitter?? Unser TT- Gastautor Jan Fischer erklärt es uns. Dort zum lesen und hier zum Hören.

 

Das Theatertreffen-Blog 2014 versucht erstmals alle schriftlich verfassten Texte auch als Audiobeiträge zu präsentieren.
Den vorliegenden hat die Schauspielerin Sophie Weikert  freundlicherweise für uns eingelesen.

 

Warum wir twittern

Warum wir twittern. Bekenntnisse eines Fanboys.

Als bekannt wurde, dass Ben Affleck den nächsten Batman spielen soll, war der Aufschrei groß. Während die eine Hälfte des Netzes innerhalb von Sekunden ihren Hass über jedem, der etwas mit dem Film zu tun hatte ausschüttete, dauerte es so ein, zwei Tage, bis sich die ersten Stimmen meldeten, die dazu mahnten doch lieber erstmal abzuwarten, was so draus wird. Was war passiert? Ganz einfach: Fans. Das war passiert. Menschen, die der Meinung waren, “ihrem” Batman könne, dürfe man so etwas nicht antun. Menschen, die sich auskannten, Nerds, in deren Köpfen Batman und Ben Affleck nicht über einander passten. Die, so glaubten sie, sich besser auskannten als diejenigen, die diese Entscheidung getroffen hatten. Die Fans liefen Sturm gegen eine künstlerische Entscheidung, die in ihren Augen eine Art Sakrileg war, die in ihren Augen eine Menge kaputt machte. positiv formuliert: Sie rieben sich daran. Sie taten das laut, öffentlich, unfair, manchmal beleidigend. Hier mein Bekenntnis: Ich bin Louis-Ferdinand Céline Fanboy (wir können trotzdem gerne über seinen intolerablen Antisemitismus diskutieren, aber darum geht es hier nicht). Ich habe ein langes, schwieriges und fruchtbares Verhältnis zur “Reise ans Ende der Nacht”, und gerade deshalb passe ich – wie Batman-Fans bei Batman – sehr genau darauf auf, was andere Menschen damit anstellen. Genau wie Batman-Fans bin ich der Meinung, das Buch sei ebenso sehr, vielleicht sogar mehr, meins, als das von anderen Leuten. Und, das ist hier das wichtige, ich möchte mich dazu äußern, wenn jemand, nennen wir ihn F. Castorf, etwas damit anstellt. Ich möchte das, was mir da angeboten wird nicht passiv erdulden. Ich will mitmachen.

Der magische Kreis

Es gibt einen Begriff aus der Spieltheorie, der “magische Kreis”, und der ist ganz nützlich, wenn man erklären möchte, was ich mir vorstelle. Der magische Kreis ist ein Ort, innerhalb dessen bestimmte, andere Regeln gelten, ein Brettspiel, ein Spielplatz: Man kann drin sei, dann gelten die Regeln, oder draußen, dann eben nicht. Es ist immer interessant zu sehen, was passiert, wenn Menschen von außen in den magischen Kreis hineindrängen. Wenn Menschen veruschen, sich an einem Spiel zu beteiligen, von sie eigentlich kein Teil sind, aber der Meinung sind, ein Teil sein zu müssen. Hollywood ist traditionell doch etwas undurchlässig, was seine magischen Kreise angeht (abgesehenm.wikipedia.org/wiki/Snakes_on_a_Plane”>¨Snakes on a Plane¨, aber das ist eine Geschichte für einen anderen Tag), und so werden wir im nächsten Batman-Film wohl oder übel Ben Affleck erdulden beziehungsweise erleben müssen.

Die Erweiterung des magischen Kreises

Theater ist da ein bisschen durchlässiger, selbst wenn man ¨nur¨ über Theater in der traditionellen Bühnenkonfiguration (oben Bühne, unten Publikum, mehr oder weniger vierte Wand) spricht. Ich habe – und hatte – in dieser Konfiguration immer Möglichkeiten, das innerhalb eines bestimmten Regelwerkes das Spiel zu zu kommentieren, beschränkt mitzumachen, wenn man so will: Burufe, Klatschen, Pfeifen, den Saal verlassen, diese Dinge. Wenn ich in einem Theater sitze, bin ich immer schon Teil eines eigenartig halbdurchlässigen magischen Kreises. Genau wie es aber den Batman-Fans nicht reicht, von ihren beschränkten Möglichkeiten Gebrauch zu machen, genau, wie sie weiter in den magischen Kreis drängen und mehr Möglichkeiten haben wollen, etwas zu verändern oder zumindest weiter, breiter und offener zu kommentieren, wie sie versuchen, den magischen Kreis zu ihren Bedingungen zu erweitern, habe ich das Bedürfnis, meine Möglichkeiten im Theater zu erweitern. Besonders, wenn ich, als Céline-Fanboy, emotional drinstecke, wenn mich nicht nur interessiert, was da passiert, sondern ich Angst davor habe, dass da ein Schlachteplatte serviert werden wird, auf der ein totes Wesen erkenne, das ich einmal geliebt habe.

Mehr Bühne für die Zuschauer

Für mich machte es deshalb eine Menge Sinn, mich mit einem Smartphone ins Publikum zu setzen: Ich bin nicht mehr innerhalb eines schmalen Regelwerkes dem ausgeliefert, was mir vorgesetzt wird, mit viel zu wenigen Interaktionsmöglichkeiten für das, was ich loswerden will, muss, soll. Es machte für mich eine Menge Sinn, den magischen Kreis, die Spielwiese, zu vergrößern und mir auch ein Stück weit anzueignen. Es geht nicht darum, dass das, was dabei rauskommt, inhaltlich immer zu 100% brilliant ist – Twitter verleitet zur kurzen Pointe, zur Zuspitzung, zum Kurzschluss – es geht nicht darumn, das hier und jetzt eine neue Art der Theaterkritik entsteht. Wenn überhaupt war für mich, als Céline-Fanboy, das alles noch zu kurz, zu elitär gedacht: Nur ein paar Krtiker, die in der letzten Bank lümmeln und versuchen, klug zu sein, das reicht nicht. Was wäre, wenn das Publikum, um das es geht, sich Theater neu aneignet, es neu denkt? Was wäre, wenn jeder mitmachen könnte, wenn irgendwo an der Bühne noch eine Twitter-Wall wäre? Wir reden hier von einer Aneignung von unten, davon, die – von Zeit zu Zeit – doch sehr elitär dahinschreitende Form ¨Theater¨ dem Publikum fast gleichberechtigt zu übergeben. Davon, größere Spielwiesen, größere magische Kreise zu schaffen, in denen mehr möglich ist. In der Schauspieler ind Regisseure nicht präsentieren – sondern zittern müssen, schwitzen müssen, sich das Schweigen des Publikums hart erspielen müssen. Es ist zwar nie eine gute Idee, den Fans alles zu überlassen – wenn es danach ginge, hätten wir niemals Michael Keaton als Batman gesehen, und das war ziemlich klasse – es geht darum, dem Publikum mehr Freiheiten zu geben, sich an der Inszenierung zu reiben, endlich über das Klatschen, das Publikumsgespräch, die wohlgesittete Diskussion beim Pausensekt, über die ganzen etablierten Formen hinaus etwas zu schaffen, das hier und jetzt passiert- öffentlich, unfair, beleidigend, meinetwegen. Aber: Lebendig. 

Die Berliner Zeitung ist Partner des Theatertreffen-Blogs

TT-Tweetup – bei Castorf wird getwittert!

Das Theatertreffen-Blog und „Die Deutsche Bühne” führen heute den ersten Theatertreffen-Tweetup durch. Während der Aufführung von Frank Castorfs Inszenierung „Reise ans Ende der Nacht” vom Residenztheater München, werden 19 Twitterer das Geschehen live mit dem Hashtag #TTReise kommentieren. Die Aufführung beginnt um 18.00 Uhr.

Das TT-Blog-Orchester wird gemeinsam den Kollektivkanal @TT_Blog14 bespielen. Um Posts zuordnen zu können, setzen die TT-Blogger Kürzel ein.
Hier finden Sie eine Auflistung mit Namen, Kürzel und eigenem Twittername (falls vorhanden):

Manuel Braun, (MB), @manumelm
Felix Ewers, (FE), –
Nathalie Frank, (NF), @exberlinerstage
Eefke Kleimann, (EK), @eefkeklein
Jannis Klasing, (JK), @JannisKlasing
Bianca Praetorius, (BP), @bancia
Hannah Wiemer, (HW), @_HannahWie
David Winterberg, (DW), @DavidWinterberg

Außerdem tippen als Twitterkritiker mit:
Detlev Baur (@BaurDetlev ), Jan Fischer (@nichtsneues ), Thomas Halle, Dorothea Marcus, Mounia Meiborg (@Mounia008 ), Elena Philipp, Holger Rudolph (@mrbartleby), Manouchehr Shamsrizi, Esther Slevogt, Anna Volkland.

Ada Blitzkrieg – Ein Interview über Theater und Wurstspezialitäten

Ada Blitzkrieg geht nicht ins Theater, denn sie ist ihre eigene Institution.
22.000 Menschen wollen täglich via Twitter an ihrem Leben und ihren Gedanken teilhaben. (Zur Orientierung, das sind soviele Follower wie die Follower der Twitteraccounts von Residenztheater, Münchner Kammerspiele, Schaubühne, Thalia Theater und der Bayerischen Staatsoper zusammen, wenn man ausschließen würde, dass es nicht eh überall die gleichen sind). Dazu kommen 5.000 bei Instagram und ein paar tausend zerquetschte auf Facebook. Sie trägt das Haar in mädchenhaften Zöpfen und hat kleine, zierliche Hände, mit denen sie ihre geistige Munition in die Tasten haut: Ada Blitzkrieg bloggt, hat zwei Bücher veröffentlicht und lebt mit Freund und Katze im Internet. Völlig aufgekratzt, ist sie den ganzen Tag damit beschäftigt, Kultur und Wahnsinn über das Internet zu konsumieren und erscheint selbst im Netz unumgänglich. Sie hat nahezu olfaktorisch ihr Revier markiert, und jeder, der ihr über den Weg läuft, will sie buchen, treffen, fotografieren und an ihr riechen.
Gehen Sie zum Beispiel einmal in die Redaktion des Grimme-Preis gekrönten Fernsehformats Circus HalliGalli und Sie werden feststellen, dass es dort niemanden gibt, der Name ihren Namen nicht kennt.

Aber keine Angst, liebe Theatergemeinde, wenn Sie nun panisch zusammenzucken, weil sie wieder etwas verschlafen haben, das macht nichts, denn sie hat von Ihnen genauso wenig gehört. Und das ist schade und ein großer Verlust für beide Seiten, denn noch vor zwanzig Jahren hätte man Ada vermutlich ständig in der Theaterkantine angetroffen. Denn dort hätte sie aufgrund ihrer Vorliebe für Sprache, Exzentrik, Geschichten, durchgeknallte Menschen, verrauchte Räumen und Wurstspezialitäten landen können. Doch Ada findet das Theater verstaubt. Wie kommt dieses Bild zustande? Warum kann sie sich beim besten Willen nicht daran erinnern, wann sie das letzte Mal im Theater war? Und was hat sie, was die Theater nicht haben?

Was hat Ada Blitzkrieg, was die Theater nicht haben?

Um dieser Sache auf den Grund zu gehen, habe ich mich mit ihr – natürlich aus rein journalistischem Interesse – auf eine Aufbackbrezel in ihrer Küche getroffen. Vorneweg sei gesagt: ein Treffen mit Frau Blitzkrieg zu arrangieren, ist in etwa so kompliziert wie eines mit Edward Snowden. Nur meiner Hartnäckigkeit und meinem Astralkörper ist es letztlich zu verdanken, dass ich plötzlich doch in ihrer Wohnung stand. Bevor ich ihr die erste Frage stellen konte, musste sie aber erst noch kurz das zweite Päckchen Schuhe an diesem Tag – und das siebte Paar in dieser Woche – vom Briefträger entgegennehmen. Eigentlich braucht sie keine Schuhe, sagt sie. Eigentlich benötigt sie gar keinen Besitz in ihrem Leben. Sie lacht hysterisch und sagt: „Wirklisch!” Als ich gerade versuche auf das Thema Theater zu sprechen zu kommen, hält sie mir den frisch erworbenen Second-Hand-Turnschuh unter die Nase und sagt: „Riech mal!”. Ich will nicht, streube mich, tue es dem Journalismus und der Theaterwelt zuliebe dann aber doch. „Wonach riecht es?”, will sie wissen. „Keine Ahnung”, sage ich.
Wonach riecht es denn für dich?

Ada Blitzkrieg: Ich rieche genau das Mädchen, das diese Schuhe vor mir getragen hat. Kennst Du solche Menschen, die einfach duften? Dieses Mädchen roch nach gepflegter Neubauwohnung mit Klicklaminat. Man entnimmt dem Fußbett dieser modischen Basketballschuhe olfaktorisch, dass die vorherige Besitzerin zwar unverkennbar ein Mensch sein muss, denn eine leichte Note süßlich-käsiger Fußgeruch wohnt ihm schüchtern inne. Dieser wurde allerdings durch den blütenfeinen Duft von Feinwaschmitteln und weichgespülten Sneakersöckchen mit Feinstickrand überdeckt. Ich kann weder Zigarettenrauch, noch den üblichen Geruch von Partybodenresten im Sohlenprofil riechen. Dieses Mädchen führt ein vorbildliches Leben. Es ist 25 oder 37, konsumiert gerne Vorabendserien und schreckt nicht davor zurück, ihre Schuhe zu einem fairen Preis bei „Kleiderkreisel” zu verkaufen, damit gierige Abgreifertypen wie ich ihre Naivität ausnutzen, lachend das Schnäppchen kaufen, um dann auch noch am Fußbett rumzuschnüffeln. Bestimmt heißt sie Lisa. Die blonde Lisa aus Baden-Württemberg.

Die Absenderadresse gibt aber deutlich an, dass die Verkäuferin weder Lisa heißt, noch aus Baden-Württemberg kommt. Aber das ist Ada Blitzkrieg egal. Sie erfreut sich an ihrer Vorstellungskraft. Ich frage sie, warum ihr so viele Menschen im Internet folgen. Sie sagt:

AB: Weil ich eine Person bin. Und eine fremde Person ist direkt vergleichbar mit der eigenen. Die Leistungsgesellschaft hat uns das Bedürfnis nach Vergleich ansozialisiert. Die Motivation mir zu folgen, differenziert sich an dieser Stelle in Gönner und Gegner. Einerseits folgen mir viele Menschen, die es als herrlich befreiend empfinden, wie schonungslos und offen ich mit meinem Versagen, meinen Ängsten, meinen Stärken, Prahlereien und meiner Scheide umgehe, andererseits folgen mir Menschen, die mich fürchten und ihre Angst vor meinem Erfolg, der nicht den ihnen bekannten Mechanismen der Leistungsgesellschaft unterliegt, in der Ablehnung meiner Person personalisiert haben. Machen wir uns nichts vor: ich bin faul, ich laufe viele Umwege und ich kenne mein Ziel nicht. Dies entspricht nicht dem allgemeinen Kodex von Leistung. Mein Erfolg, der sich dennoch einstellt, greift diesen Kodex an. Diese Gruppe Menschen folgt mir, um informiert zu sein, um mich klein zu machen und einen Kampf zu führen, von dem sie weder wissen, dass sie partizipieren, noch, dass sie ihn verlieren werden. Der anderen Gruppe von Followern spreche ich eher aus der „Seele”. Ich zerstreue ihre Ängste durch meine Person.

Was ist Theater?

Wir kommen nun endlich auf Theater zu sprechen. Ich erzähle Ada von ein paar Highlights der letzten tausend Jahre und was die Menschen dort so gemacht haben. Von ein paar großen Inszenierungen, von dem Wahnsinn und dem, was gegenwärtig so passiert. Ihre Augen beginnen ein bisschen zu leuchten und man merkt, dass sie neugierig wird. Interessante Ideen und Sichtweisen haben sie schon immer angefixt. Dennoch spüre ich die Skepsis. Und frage sie, was sie mir noch gestern auf die Frage „Was ist Theater?” geantwortet hätte. Ihre Antwort ist kurz und deutlich.

 AB: Theater ist eine Bühne; auf der von extrovertierten Lautmenschen, die auf mich wie zerhackte Kandinsky Bilder wirken, eine Sprache geschrien wird, die ich nicht verstehe.

Theater als Ort des Ausschlusses

Ich lasse nicht locker, da ich weiß, dass sie eine Vorliebe für Filme von Ulrich Seidl hat und zeige ihr daher einen kurzen Ausschnitt von „Fegefeuer in Ingolstadt. Was denkst du darüber?

AB: Schau, ich bin ein optischer Typ. Mein Blick fällt als erstes auf den Namen der Autorin, „Marieluise Fleißer”. War ja klar! Das ist ein Name, in dem schon in sich selbst sehr viel Mühe erkennbar ist. Der Code für eine bestimmte soziale Schicht. Ein Zeuge von bemühten Eltern, die ihrem Kind etwas „ermöglichen wollten”. Bildung. Theater. Ein klassischer Name in einer zeitlosen Kombination. Ich bin mir fast sicher, Marieluise hatte keinen Ali oder keine Peggy im Freundeskreis. Das Theater bleibt unter sich. Gehobene Schicht. Exklusiv und mit einem Anspruch an Bildung, Mehrwert, Erziehung, Berührung, Reflexion. Ein Vergnügen für eine privilegierte Schicht. Mühe. Kraft. Energie. Ich habe direkt das Gefühl, fremd zu sein. Nicht nur, dass mir die Sprache nicht zugänglich ist, trotz bester Bildung durch eine Klosterschule, nein, mir sind auch die Inhalte fremd. Das Publikum, die Beteiligten, die Art wie Emotionen dargestellt werden. Alle gehoben gebildet, alles Lehrerkinder oder Kinder von Theatermenschen. Meine Lebenswelt ist eine andere, gerade im Internet, wo ich mit den wüstesten Menschen konfrontiert werde. Hier bewegen sich alle. Die Barrieren der Teilhabe sind zwar auch vorhanden, aber leichter zu überwinden. Mutti und der nette Kebapverkäufer haben auch ein Facebook- oder Twitterprofil, aber ins Theater gehen sie nicht.  So wie ich es auch nicht tue, weil ich mich gerne in einer Realität bewege, deren Code ich dechiffrieren kann.
Ich sehe in diesem Ausschnitt von „Fegefeuer in Ingolstadt” eine große Anstrengung. Die Worte. Die Mimik. Ich weiß, man verlangt mir etwas ab. Ich bin in meinem Konsum nicht dazu bereit, eine Gegenleistung zu bringen. Das Bühnenbild, die Szenen und das Kostüm fesseln mich dennoch. Ich könnte den ganzen Tag die einzelnen Bilder hintereinander angucken. Verwachsene Frau mit bonbonfarbenem Blazer auf hartem Boden in einer Krankenhauslichtsituation. Das kriegt mich. Aber die ersten Worte verlieren mich wieder.

Theater als geistige Heimat

Und ich frage mich, wo und wann genau hat der Theaterbetrieb Ada Blitzkrieg verloren? Anscheinend hat ihr keiner gesagt, dass Marieluise Fleißer längst tot ist und zu einer Zeit lebte, in der Kebap noch nicht erfunden war. Es hat ihr keiner gesagt, dass es in „Fegefeuer in Ingolstadt” um ein streng katholisch erzogenen Schüler geht – und woher soll man das ohne einen einschlägigen Studiengang auch wissen?! Wir Theatermenschen werfen bedeutungsschwanger mit Begriffen und Namen um uns, die Ada nicht dechiffrieren kann und haben dadurch schon immer Menschen ausgeschlossen. Doch jetzt haben wir die Möglichkeiten, diese Dinge zu vermitteln. Das Internet wäre ein so schöner Weg um Ada den Mund wässrig zu machen, sie ein bisschen an die Hand zu nehmen, damit sie merkt, dass das Theater – neben geographischer Heimat in der Mitte einer Stadt  – auch eine geistige Heimat in der Mitte der Gesellschaft ist, sein, werden kann.

Ich habe ihr versprochen, dass ich ein Blog für sie anlegen werde, um interessante Theaterdinge zu sammeln  – und sei es nur manchmal ein wirklich gelungener Trailer, ein guter Hörbeitrag, Diskussionen, etwas, das von diesem ganzen wunderbaren Wahnsinn berichtet, den ich so sehr liebe. Ich will ihr virtuell mit der gleichen Begeisterung erzählen, wie ich das hier in ihrer Küche tue und nicht nur von einem einzigem Theater in einer Stadt, sondern Häuser und Szenen übergreifend. Vielleicht verlässt sie dann eines Tages ihr Versteck am Moskauer Flughafen, um auch das reale Theater kennenzulernen.

Manuel Braun sprach bei der Eröffnung des Theatertreffen-Camps über Ada Blitzkrieg und seine Erkenntnisse aus diesem Gespräch. Einen Liveblog mit seinen Aussagen finden Sie hier.
Die viel zitierte Inszenierung „Fegefeuer in Ingolstadt” wurde im Rahmen des Theatertreffens gezeigt. Sehen sie hierzu auch Jannis Klasings Kritik und Felix Ewers grafische Auseinandersetzung mit der Aufführung. 

Die Berliner Zeitung ist Partner des Theatertreffen-Blogs.

Das unbedingte Theater. Eine Kompetenzüberschreitung

Dies ist ein Beitrag von Gastblogger Manouchehr Shamsrizi.

Präambel
Eine einfache Frage hat mich in tiefe Verzweiflung gestürzt: ob ich eine Meinung zur Zukunft des Theaters hätte, und noch dazu Lust die dahinterliegenden Gedanken (von denen ausgegangen wurde) zu sortieren und im Rahmen dieses Blogbeitrags mitzuteilen. Ich hatte, und ich wollte. Allerdings hatte ich primär keine Vorstellung davon, was diese Frage auslöste. Oft wollte ich einfach abbrechen: für diesen Text gibt es knapp ein Dutzend ausformulierter Anfänge, von denen mir selbst „Retrospektiv lässt sich vermutlich feststellen, das Theater schon immer war.“ am besten gefällt. Gefolgt wäre diesem Satz ein Essay über den Zusammenhang von Ritual und Theatralität, von der Art pariétal des Jungpaläolithikums über Max Reinhardts einschlägige Inszenierungen (1902: Salome, 1903: Elektra, 1910: Ödipus, 1911: Orestie) und den „Cambridge Ritualists“ bis zu Dimiter Gotscheffs Vorstellung von Theater als ein „heiliges Ritual“. Ein anderer Anfang zog einen Vergleich von Christoph Schlingensiefs beeindruckender „Kirche der Angst vor dem Fremden in mir“ mit der notae ecclesiae, der „einen, heiligen, katholischen und apostolischen“ Kirche der Christenheit – eine faszinierende intellektuelle Fleißarbeit, die zum Schluss dann leider durch völlige Bedeutungslosigkeit im Hinblick auf diesen Beitrag herausragte. Schließlich entstand der anmaßende Versuch einer Handreichung zum Theater-Marketing, die sich Notizen aus 2007 verdankte; ein „key takeaway“ war dabei die Neu-Erinnerung daran, dass die Betriebswirtschaftslehre allein ein denkbar ungeeignetes Instrumentarium für die Zukunftstauglichkeit von (Theater-)Kultur darstellt. Während von dieser Vorarbeit also nur Fragmente erhalten geblieben sind, gibt es doch Erkenntnisse, die zu erinnern sich lohnen. Ist dem geschätzten Leser beispielsweise bewusst, dass es für eines der meistverkauften Computerspiele (inzwischen ja auch nicht mehr nur in Schutzbehauptungen von männlichen Jugendlichen, sondern auch hochoffiziell ein Kulturgut) einen Mod gibt, bei dem Theater gegen Zombis … ach, sehen Sie selbst:

Oder dass William Shakespeare nicht nur der bei weitem überzeugendere „Star Wars“-Autor gewesen wäre …

… sondern auch erfolgreich seinen Autorenkollegen Theodor Seuss Geisel aka. Dr. Seuss ge„dissraped“ hat?

Genug davon, der edukative Gehalt dieser Selbstbeobachtung hat zwar seinen Tiefpunkt noch nicht erreicht, aber zur Zukunft des | der Theater(s) haben wir auch noch nicht beigetragen. Und auch wenn es manchen Leser überraschen mag, zumindest werden wir uns daran versuchen – und sei es nur, um für die Veröffentlichung der bisherigen und der folgenden Vimeo-Videos auf dem Blog des Theatertreffens eine Legitimation zu entwickeln …

Die Grundformen der Angst vor dem Neuen in uns, oder: vier thesenhafte Szenarien für die Theater(in)szen(ierung)e(n) der Zukunft
Wir machen Anleihe bei dem Psychoanalytiker und Vater der Angstforschung Fritz Riemann, dessen Werk „auch 50 Jahre nach seinem Erscheinen […] zur Lektüre jeder Psychologieausbildung gehört“. In seinen „Grundformen der Angst“ beschreibt Riemann „letztlich [die] vier verschiedene Arten des In-der-Welt-Seins“. Diese vier Grundformen entwickelt Riemann in zwei Impulspaaren, die sich widersprüchlich gegenüber stehen: dem Wunsch nach einer Distanz zur Welt und ihrer Sozialität, um seine Individualität nicht in Gruppen zu verlieren, steht die Angst vor einer Selbstwerdung entgegen, die geeignet wäre den Zusammenhalt mit seinen Mitmenschen zu verlieren und zu vereinsamen. In der zweiten Paarung stehen sich die Angst vor Veränderungen und die Angst vor Stagnation gegenüber. Diese Impulse lassen sich, so Riemann und seine Schüler, auf Dauer weder ignorieren noch versöhnen – einzig die permanente Selbstbeobachtung und -adaption erlaubt die Reifung und Lebensfähigkeit des Individuums. Der Versuch einer solchen Selbstbeobachtung im Organisationalen erscheint auch für das Theater angebracht; sie fußt neben Riemanns Unterscheidungen, auf den jüngeren Weiterentwicklungen der soziologischen Systemtheorie (unter besonderem Einfluss der Medienarchäologie), Konzepten des philosophischen Posthumanismus, Ästhetikkalkülen der russischen Literaturwissenschaft zum „Chronotopos“ und schließlich dem Diskurs der Architektursprachen um postmoderne Raumgestaltung – ohne jedoch die jeweilige Ideengeschichte, Theorien und ungewöhnliche Theatralitäten an dieser Stelle in Gänze ausführen zu können. Wir werden für die Zukunft des Theaters also zwei Gegenfüßlerpaare (latinisiert Antipodes, geläufig (!) als „Antipoden“, mit faszinierender Etymologie; der Verfasser dieses Textes ist DRINGEND auf der Suche nach geeigneten Visualisierungen! Vielleicht liegt in der Gleichzeitigkeit einer Gegenüberstellung zu Platons Kugelmenschen das Potenzial eines wunderbaren Comics? Gedacht wird an „Menschen, wie wir sie nie waren – eine überflüssige Tragikomödie des Ahistorischen“) vorstellen, Freunde, die sich im Jahre 2034 unterhalten. Dabei empfindet ein Gegenfüßlerpaar besondere Freude an den Formen des Theaters, während das zweite sich für die inhaltsgetriebene Funktion des und funktionale Inhalte am Theater begeistern kann – sie sind jedoch jeweils unterschiedlicher Meinung. An die erste Unterhaltung knüpfen sich mögliche neue Konstellationen von Theaterbesuchen, deren (Selbst-)Beobachtung später erfolgen soll.

I. Theater als Antithese zur Nächsten Gesellschaft

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II. Theater als erster Hybrid

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„Paradoxerweise stehen die europäischen Gesellschaften in einer Phase des radikalen Umbruchs, weil man sich Umbrüche – vor allem radikale Umbrüche – keinesfalls wünscht. Neue Bahnhöfe gar nicht mehr und neue Autos mit viel weniger Innbrunst als noch vor einem Jahrzehnt. Vielleicht haben sich ja auch die Zeithorizonte verändert, in denen man inzwischen den Alltag erlebt.“ – Hans Ulrich Gumbrecht

Während ihrer Ankündigung und der Implementierung ihrer ersten Fragmente lädt die „Next Society“, die dem gesprochenen Wort, der Schrift und dem Buchdruck nun den Computer als Leitmedium (und damit einhergehende Überforderungen ihrer Institutionen und Organisationen, auch des Theaters) an die Seite stellt, gleichzeitig zu frühen Formen ihrer eigenen Krise ein …

… die von Milieu zu Milieu und von Weltanschauung zu Weltanschauung unterschiedlich beantwortet werden. Als soziologisch spannendes Labor haben sich dabei Bars herausgestellt, sei es, dass sie Google Glasses in San Francisco verbieten oder in Kreuzberg zwar keine EC-Karten, dafür aber Kryptowährungen akzeptieren. Die hybride Gesellschaft – eine technologiezentrierte Form der Beobachtung der Next Society – zieht ihre Terminologie jedoch auch und insbesondere durch die Idee einer „Human-Technology Co-Evolution“, ausgelöst durch sogenannte Emerging Technologies, die von Augmented reality über Robotik, Synthetischer Biologie und Maschineller Übersetzung bis zur Bionik reichen. Wer die Verbindung dieser Entwicklungen zu den Künsten durch den MIT-Wissenschaftler Hugh Herr erleben möchte, ist auf die wunderbare Geschichte der Tänzerin mit bionischer Prothese verwiesen:

Unsere Gegenfüßler haben nun zwei Möglichkeiten um Umgang mit diesen Innovationen = Interventionen: das Theater kann sich als chronotopische Antithese begreifen und einen Raum zum Rückzug bieten. Einen Raum, der seine Theatralität bewusst auf diesen einen Ort und diese eine Zeit reduziert, unsere breite Gegenwart abzubilden. Das Theater kann sich aber auch als Quarantäneraum der Gesellschaften begreifen, und (s)eine Verantwortung darin sehen in der langen Tradition von Quarantäneritualen den Umgang mit den Emerging Technologies in Theorie und Praxis zu diskutieren, um dem Diskurs über die Human-Technology Co-Evolution eine tatsächlich humanistische Dimension zu verleihen. Beides, ein Theater als Schutzraum vor oder Quarantäne für die Nächste Gesellschaft hat seine Legitimation. Der Reiz der Achtsamkeit und Gegenwart liegt auf der Hand, gleichzeitig liegt den ersten Inszenierungen mit Robotern als Schauspielern, synthetisch erzeugter Pflanzenwelt und erweiterter Sinneswahrnemungen auf der Bühne und für das Publikum (sollte diese Unterscheidung dann noch von Relevanz sein) ein ungeheureres Potenzial inne, als Kunstform Gesellschaft zu verstehen und zu gestalten. Den Eintritt zahlt man dann übrigens am sinnvollsten in Dogecoin.

PS: In Japan, wo eine virtuelle Künstlerin Konzerte für Hunderttausende gibt,  scheint zumindest die Musikindustrie schon einige Vorentscheidungen zu ihrer Positionierung getroffen zu haben. Vorgeschmack gefällig?

 

III. Theater als wieder erstarkte moralische Anstalt
Während sich hier wunderbarer Bezug auf Friedrich Schillers Rede zur “Schaubühne als eine moralische Anstalt betrachtet” ziehen ließe (was der Verfasser an anderen Stellen versucht hat, in Theorie und früher Praxis), gibt es doch keine bessere Einführung in den Grundgedanken als Bart Simpsons legendären Auftritt als Hamlet, der sich geschickt des theatralischen Talents von Krusty dem Clown bedient, um (nun doch Schiller) eine „Gerichtsbarkeit der Bühne” dort einzuführen, „wo das Gebiet der weltlichen Gerichte sich endigt”:

vs.

IV. Theater als individualpsychologisierte Katharsiskkakophonie
„In diesen Zeiten, die sich durch zunehmende Komplexität in sämtlichen Politikfeldern und ein maximales Stochern im Nebel als Versuch der Steuerung kennzeichnet, ist die Vorstellung | Notwendigkeit der Schaubühne als eine moralische Anstalt aktueller denn jeh”, denkt sich einer unserer Gegenfüßler. Seinem Konterpart wäre es allerdings lieber, die Kunst würde ihm jetzt nicht auch noch mit Politisierung auf die Nerven gehen, schließlich soll im Theater Unterhaltung oder maximal ein Beitrag zu seiner kathartischen (quod est dubitandum) Persönlichkeitsentwicklung geliefert werden . Und überhaupt, das sei doch garkeine wirkliche Kunst mehr wenn statt Schauspielern nun Arbeitslose, AusländeVergewaltiger auf den Bühnen stehen, oder gar die Gefühle religiöser Mitbürger angegriffen werden. Früher war halt alles besser (quod est dubitandum, Klappe die zweite).

Auch hier bieten sich mithin zwei Optionen an: jeder Theaterschaffende kann sich (weiter) politisieren, oder gerade davor (weiter) zurückschrecken. Die Politisierung des Zurückschreckens ist dabei nur ein temporäre Hintertür, die zur ersten Option führt.

Ein Appell als Epilog
Für alle Gegenfüßler lassen sich nun Präferenzordnungen spieltheoretischen Ausmaßes finden – was die Aufgabe jedes beteiligten Akteures zu jeder relevanten Zeit sein wird. An den Achsen „Umgang mit Technologie | Virtualität | Digitalität” (I.&II.) und „Umgang mit der Gretchenfrage nach dem Politischen” (III.&IV.) werden sich die Zukünfte des Theaters orientieren können, ebenso die Beobachtungen der sie tragenden und ertragenden Gesellschaften. Diese Orientierung kann nur grob und lückenhaft bleiben, fußt sie doch im Sinne Dirk Baeckers auf einem „interdisziplinäre Wagnis hart an der Grenze der Kompetenzüberschreitung”. Den sie legitimierenden Diskurs zu den grundsätzlichen Thematiken allerdings müssen wir trotz der Unzureichenheit anregen und führen, während und nach des Berliner Theatertreffen, soll das Theater auch in Zukunft seine Anschlussfähigkeit frei von tithonosischen Fehleinschätzungen erleben.

Wir sollten nicht nur unbedingt Theater, sondern das „unbedingte” Theater wollen, für das frei nach Derrida gilt: Das Theater müsste also auch der Ort sein, an dem nichts außer Frage steht. Insbesondere nicht Form und Funktion des Theaters selbst.

Die Berliner Zeitung ist Partner des Theatertreffen-Blogs.

Kunst oder Aktivismus? Interview mit Ex-Billeteur Christian Diaz

Christian Diaz, ehemals Billeteur am Wiener Burgtheater und bildender Künstler, hielt am 12. Oktober 2013 auf dem Jubiläumskongress im Burgtheater eine Rede, in der er auf seine Arbeitssituation hinwies. Er kritisierte darin nicht nur seinen Arbeitgeber, den weltgrößten Sicherheitsdienstleister G4S, sondern auch das Burgtheater. Er bemängelte den widersprüchlichen Anspruch des Theaters, ein Raum der Utopie zu sein und gleichzeitig am eigenen Haus ausbeuterische Arbeitsverhältnisse im outgesourcten Publikumsdienst mitzuverantworten. Das Youtube-Video seiner Rede wurde inzwischen über 21.000 mal angeklickt. Auf der Konferenz „Theater & Netz“, veranstaltet von nachtkritik.de und der Heinrich Böll Stiftung, war er zum Podium „Helden des öffentlichen Auftritts – Theatraler Aktivismus in der digitalen Öffentlichkeit – Aktivistische Praxis!“ eingeladen (das Beitragsbild zeigt das Podium, v.l.n.r. Christian Römer (Heinrich Böll Stiftung, Christian Diaz, Linnea Riensberg (Publixsphere), André Brücker (Intendant Dessau)). Im Anschluss führte Hannah Wiemer ein Interview mit ihm.

Hannah Wiemer:  Du bist hier bei der Konferenz „Theater & Netz“, um über Aktivismus und Internet zu sprechen. Auf dem Podium hast du den Begriff Widerspruch verwendet. Wie gehst du selbst mit dem Widerspruch um, dass dein Protest auf einmal auch zu so etwas wie deinem künstlerischen Kapital und Markenzeichen geworden ist?
Christian Diaz: Ich erlebe das als eine Gleichzeitigkeit von mehreren Rollen, in denen viele Menschen heutzutage stecken. Ich bin offiziell Kunststudent, habe aber auch einen Nebenjob im Publikumsdienst des Theaters, um finanziell über die Runden zu kommen. Da schlüpfe ich von einer Rolle in die andere. Den Nebenjob im Burgtheater habe ich schließlich zum Gegenstand einer umfassenden Recherche gemacht. Während meiner Dienste habe ich Vorkommnisse dokumentiert und so Material gesammelt. Außerdem habe ich Nachforschungen zu meinem Arbeitgeber, dem Sicherheitsdienstleister G4S angestellt. Ich bin nach England und Israel gereist, wo online die Kritik an dem Unternehmen am stärksten ist. Dort habe ich mit vielen Leuten gesprochen und Erfahrungen gesammelt. Die Aktion auf dem Kongress im Burghteater ist dann ziemlich kurzfristig daraus entstanden. Viele fragen sich: Ist das Kunst oder Aktivismus? Dabei wird sehr stark zwischen den beiden Begriffen unterschieden. Aber ich denke, dass die Grenzen da verschwimmen. Kunst kann aktivistisch sein und Aktivismus umgekehrt auch Kunst. Mir ging es darum, eine Debatte auszulösen und Kritik zu üben an den weltweiten Ausbeutungszusammenhängen und an der Abschottungspolitik der EU.

HW: In welcher deiner Rollen wirst du in der Öffentlichkeit wahrgenommen?
CD: Das wird immer ganz unterschiedlich formuliert – zum Beispiel im Zusammenhang mit einer Intervention, die wir Mitte April beim Radikal Jung Festival in München unternommen haben. Dabei war unsere Idee, dass Uli Hoeneß – weil er ja die nächsten Jahre im Gefängnis verbringen wird – sein leerstehendes Haus zum „Burgtheater der Refugees“ macht und als Raum für Geflüchtete und für künstlerische Arbeit zur Verfügung stellt. Wir haben eine Prozession zu seiner Villa inszeniert, ihn angerufen und ihm gedankt. In dem Zusammenhang wurde ich in der Presse als „österreichischer Aktionskünstler“ bezeichnet. Lacht. Oder ich bin der „Burgtheateraktivist“. Das ist auch lustig.

HW: Würdest du sagen, dass bei dir Aktivismus und künstlerische Arbeit eins sind? Oder machst du auch künstlerische Arbeit, die sich auf einem anderen Feld bewegt, als diese Art von Aktivismus oder Intervention?
CD: Ich würde das nicht Aktivismus nennen. Das ist eher eine herrschaftskritische Praxis, die auch ästhetische Mittel benutzt. Ich denke, dass künstlerische Strategien ein Potential haben, politische Dinge zu verhandeln. Es geht mir um denVersuch, künsterlische Mittel mit Aktivismus zu verschränken. Abgesehen von diesem eher aktivistischen Tun, bin ich auch als Musiker und Graphiker aktiv.

HW: Von dir wird am 9. Mai eine Ausstellung im Kunstraum Kreuzberg/Bethanien eröffnet. Was gibt es da zu sehen?
CD: Ich habe versucht, ein paar meiner Rechercheergebnisse für die Burgtheateraktion so aufzuarbeiten, dass man sie sich in einer Ausstellung anschauen kann. Das ist eine Mischung aus Filmen, Hörspiel und Texten.

HW: Dein Job im Besucherdienst des Burgtheaters wurde dir nach der Protestaktion gekündigt. Hast du einen neuen Job?
CD: Nein, einen Lohnjob habe ich gerade nicht. Ich stecke noch in den Nachwehen der ganzen Projektsache. Ich muss mir aber einen Job suchen. Lacht.

HW: Du hattest die Aktion in einer Gruppe vorbereitet, die eben auf dem Podium als „Zelle“ bezeichnet wurde. Was macht die Zelle zurzeit?
CD: Unser Kollektiv nennt sich Unkoordinierte Bewegung. Wir sind ein Zusammenschluss von Leuten aus verschiedenen künstlerischen Bereichen. Es ist noch nicht ganz sicher, was wir als nächstes machen. Jetzt gerade sind einige beim cobra.Fest in Hannover. In Heidelberg gibt es am 14. Mai eine Puppenshow. Da werde ich auch ein kleines Konzert geben. Es sind auch noch weitere Sachen in Planung, aber die sind noch nicht spruchreif.

HW: Was hast du für eine Verbindung zum Theater? Bedeutet dir Theater etwas, oder war das Zufall durch deinen Job im Besucherservice?
CD: Ich finde toll, dass sich im Theater so viele verschiedene künstlerische Formen miteinander verbinden. Wie Stadttheater funktioniert, finde ich in vielerlei Hinsicht fragwürdig. Ich habe zwei Jahre als outgesourcter Kartenabreißer in so einem Theater gearbeitet und dabei aus dieser Perspektive von unten einige Aspekte mitgekriegt, die ich gruselig fand. Aber ich denke schon, dass man mit der ästhetischen Form des Theaters tolle Sachen machen kann – wobei die Frage auch ist, was Theater ist. Mich interessiert es besonders, wenn sich die künstlerischen Formen vermischen. Es wird oft zu stark zwischen der bildenden Kunst und dem Theater getrennt. Ich sehe auch, dass das verschiedene historische Räume sind. Aber ich finde es spannend, wenn nicht ganz klar erkennbar ist, was es jetzt genau ist.

Die Berliner Zeitung ist Partner des Theatertreffen-Blogs.