Wohin des Wegs? Die TT-Blogger 2013 weiterlesen

Damit der Abschied vom TT-Blog nicht so schwer fällt, geht’s bei den Berliner Festspielen mit dem Blog zum Theatertreffen der Jugend weiter … oder auf den Blogs und Twitterkanälen der TT-Blogger.

Ein Blog zu Theater, Kunst, Musik, Mode, Gesellschaft (und vielem anderen) ist Milchmädchenmonolog von Eva Biringer. Auf Unruhe im Oberrang sondiert Clemens Melzer mit einem Blogger-Kollektiv vor allem die freie Szene und die Arbeiten kleinerer Theater in Berlin. Auf KENDIKE zeigt Henrike Terheyden ihre Zeichnungen, Mai Vendelbo verbindet auf Touching Theater Foto und Theatrales. Summer Banks schreibt online vor allem für den Exberliner. Mich findet man u.a. bei der schriftstelle, wo ich über Literaturveranstaltungen in Berlin und Digitalisierung berichte, aber auch als Verlegerin von Ebooks bei mikrotext. Auf Twitter sind wir @evaperlaperla, @iljaclemens, @h_terheyden, @exberlinerstage, @eefkeklein, @nikonee. Twitterarchiv zu allen Tweets während des Theatertreffens: @TT-blog13 und #TT50.

Gruppenfoto Ausschnitt
Gruppenfoto mit Baum auf der Holzkonstruktion im Publikumsgarten, Haus der Berliner Festspiele: Mai Vendelbo, Eva Biringer, Eefke Kleimann, Nikola Richter, Henrike Terheyden, Summer Banks, Clemens Melzer (v.l.n.r.). Foto: Mieke Ulfig

Sieben Alumni schenkten dem Theatertreffen-Blog zum fünften Geburtstag einen Beitrag. Und auch sie bewegen sich deutlich im Netz: Adrian Anton schreibt auf FLÜSTERN+SCHREIE über Theater, vor allem aus dem Hamburger Raum, aber er berichtete jüngst auch auch von vier Tagen Berlin: „Viermal Theater, dreimal Theatertreffen, dreimal Berghain, einmal Kleingarten, einmal Museum. Ein Marathon.” Video- und Musikfundstücke versammelt Florian Duijsens’ Blog neonresolutions, weiterhin ist er aktiv als Managing Editor bei asymptote journal, einem Web-Magazin zu Übersetzungen ins Englische. Hamed Eshrat ist Designer und freischaffender Zeichner in Berlin und dokumentiert seine Arbeit im Netz. Maximilian Grosser bloggt manchmal für die Bosch-Stiftung über Kultur und Gesellschaft, aber arbeitet vor allem als Radiojournalist und Redakteur des Neuköllner Kiezblattes Donauwelle in Berlin. Fotos, Zitate von, vor allem britischen, Theaterleuten, Links findet man auf Miriam Sherwoods englischsprachigem Blog gluehbirnestage. Cory Tamlers Aktivitäten mit ihrem Performancekollektiv Yinzerspielen lassen sich auch aus der Ferne über ihren Blog verfolgen, sie lebt derzeit in Brooklyn. Matthias Weigel schreibt als freier Journalist u.a. für nachtkritik.de. Weiterhin ist er Projektleiter Second Screen für die Serie About:Kate (Arte) bei Ulmen Television. Dabei geht es unter anderem um die Einbindung von Inhalten aus der Community.
Community, das ist ein gutes Schlusswort.

Blogrundschau: interne und externe Lesetipps zum Theatertreffen

120 Beiträge hat die TT-Blogredaktion in fast drei Wochen Theatertreffen produziert. Da kann man schon mal den Überblick verlieren, also zum Abschluss alle Highlights, sortiert. Continue reading Blogrundschau: interne und externe Lesetipps zum Theatertreffen

Das 50-Zeichen-Fazit

Verehrte Leserinnen und Leser, wir fassen uns kurz und haben unser Fazit passend zum 50. Theatertreffen auf 50 Zeichen eingedampft. Das ist weniger als ein halber Tweet. TT-Juror Vasco Boenisch hatte definitiv Recht mit seiner Vermutung bei der Jury-Schlussdiskussion, dass der Trend zur Kurzkritik geht. Die Stipendiaten des Internationalen Forums zogen übrigens für die letzte Folge von TTtv ebenfalls in ein paar Worten ihr Resümee.

Summer Banks: Depressing but formally-fascinating big budget ballast

Eva Biringer: Sound: Apparat Karussell tolle Frauen in zu hohen Schuhen.

Eefke Kleimann: #TT50 verbindet. Gartengespräche. Doppelkeks. Magnolie.

Clemens Melzer: Hauptprogramm merkwürdig, Rest bemerkenswert. Denkbedarf.

Dirk Pilz: Sandra Hüller, Wiebke Puls, Constanze Becker, Risto Kübar

Nikola Richter: Witz von Jürgen Holtz, Winken von Julia Häusermann. Wir!

Henrike Terheyden: BerlinOhneBerlinZuSehenTuscheUbahnTippenScannenBäm!

Regietheater, auf Englisch

We’ve done it again. We’ve borrowed a word from the German and made it our own. After “schadenfreude and “zeitgeist, “Regietheater” has now surpassed the translation “director’s theatre” in common usage.

I first realized how serious this trend had become when Alex Ross used it in his commentary on new opera productions in New York over the past season. Note: of course we don’t exactly use the term correctly, in English, “Regietheater can basically be plastered across any non-historical staging of a work.

I would propose, however, that we haven’t earned the right to use the term all. Because Regietheater really only applies if the director actually means something to begin with. And in the States in general, the director is a glorified medium for the playwright or librettist – he or she is there to bring the author’s text, according to his (or her) intentions, to life. This is one reason why there are endless discussions of what Shakespeare really meant, if he would have objected to women playing Macbeth and who the hell “he” was anyway. Non-historical stagings are then approached with the somewhat mystical question: “How would the author have imagined the piece if he or she were alive now? Would he choose McDonald’s or Burger King? Drive a Chevy or a Toyota? Go to Disneyland or the Playboy Mansion?”

And as soon as our directors stray from this melt-behind-the-text role, we automatically cry “Regietheater and dismiss it as, pardon my British, disrespectful wank. So you can also understand why our most talented directors turn toward film. At least there they have some respect and creative control.

Katie Mitchell's direction intensive production of Night Train, invited to the Theatertreffen this year.
Katie Mitchell’s direction intensive production of Night Train, invited to the Theatertreffen this year. Photo Credit: Stephen Cummiskey

Of course there’s also a couple that have made it to the continent, where directors are the geniuses and celebrities, for better or worse. British director Katie Mitchell‘s description of her first encounter with this status change:

“When I went to Salzburg for the first time, I was sitting in the square and there were three banners with three middle-aged men’s faces on them advertising three shows. I asked, ‘Are those pictures of the playwrights?’ No. ‘Are those pictures of the leading actors?’ No. ‘Who are they of, then?’ The directors. And I thought, this would be impossible in the UK: the directors’ faces on their shows? That would be a travesty.” (From a conversation in 2010)

So my perspective on the discussion “Theatre directing is…” on Sunday was a bit coloured by wonder at the fact that such a discussion would even be held. And most of the conversation revolved around predictable historical reminiscing about the emergence of dance theatre and watered-down descriptions of the craft: i.e. “Directing is making decisions.” But there was one nice moment of drama.

Claus Peymann (artistic director of the Berliner Ensemble, slowly increasing in volume): “Don’t we have the theatre that we deserve today? The minimalisation of pieces, actors turned into slaves, into director’s puppets, a contempt for drama, a disdain for literature, isn’t all of this is the expression of our ahistorical society…? Theatre like that of Rimini Protokoll, which represents the triumph of dilettantism and totally disregards literature, isn’t that what we’ve earned?”

Thomas Oberender (director of the Berliner Festspiele, standing up in the last row, and shouting): “That’s enough! What you’re saying is terrible. You still try to explain the world with Brecht and then you denounce the next generation.”

Peymann: “I’m just saying that I think Rimini is a symptom. I, myself, was one of their subjects: they made a whole production about me. Sure, it has an alleged authenticity, but it has nothing to do with the art and skills of theatre.”

More shouting, accusations – thankfully no guns.

So the director discussion on Sunday took a turn toward a discussion of the direction of theatre and society in general. But that also reflects the relative position of the director in German theatre (and theatre in German society). This is a real Regietheater. It’s the director that decides what subjects and aesthetics the theatre should tackle. And directors define generations, not playwrights. Crazy.

The discussion moderator segued out of the Peymann vs. Oberender conflict by saying, with regard to directorial styles: “We should preserve diversity, that’s clear.” At least it is for Germany.

But who knows, maybe the American theatre zeitgeist really is ready for a little bit more Regietheater.

Otto schwitzt

Okay, zugegeben – jetzt hat sich das Wetter abgekühlt und schreckt auch nicht vor Regen zurück. Aber wer die letzten beiden Tage „Die Ratten“ auf einem der hinteren Publikumsplätze, ziemlich weit oben auf der Hinterbühne im Berliner Festspielhaus gesehen hat, weiß, wovon Otto spricht.

Zeichnung: Henrike Terheyden/ KENDIKE
Zeichnung: Henrike Terheyden/ KENDIKE

Hier unsere KritikZeichenkritik und Interviews (Jens Kilian und Kate Strong) zur Inszenierung.

TTtv: Being Janez Janša

Der slowenische Autor, Regisseur und Performancekünstler Janez Janša leitet den künstlerischen Workshop „How public is the public?“ beim diesjährigen Internationalen Forum, einem Akademieprogramm des Theatertreffens. Er hat zusammen mit zwei anderen slowenischen Künstlern 2007 den Namen eines slowenischen Politikers angenommen, Vorsitzender der demokratischen Partei. Im Interview erklärt Janez Janša „Being Janez Janša in zwei Minuten“. Gefilmt auf dem Gelände der Uferstudios in Berlin-Wedding.

Sex and Pretzels

The Theatertreffen became the center of my life just a couple of days ago. And I have to say it’s been simply bizarre. This feeling of being in a time warp is probably due to the fact that I normally wouldn’t be anywhere near Wilmersdorf (there’s no kumpir for miles). And even though I spend a ridiculous amount of my time in the theater, it’s usually the off-scene dance or experimental low-fi productions that fill my Google Kalender.

Now I’m suddenly at the nerve center of the best state-funded German theatre, and it’s thrilling, inspiring and amusing. And that’s just what happens at the bar by the Boulette. It’s still such a refreshing surprise to me that there’s so much drinking and socializing at theaters in Germany – in the States everyone packs themselves into their cars/taxis/subways relatively quickly, or heads to a restaurant down the block before they start gossiping. Only one complaint: despite the frequent token DJs, I still have yet to witness a real dance party (here’s hoping for Lars Eidinger’s Autistic Disco on May 11. The party’s free after 23:00).

A few other impressions thus far:

Opening nights attract an assortment of politicians, characters, and Berlin theatre celebrities (you’ve probably never heard of them, but there are some, trust me). On this balmy, finally-spring evening, freelance camera men, photographers and hopefuls with Suche Karten (need tickets) signs swarmed at regular intervals and RBB was there with an anchor in all his fake-tan glory.

Of course, it’s still Berlin, so arriving on a bike in evening dress was fairly commonplace and there was a distinct lack of a VIP lounge or red carpet. Because we’re all equal… ly crazy for going inside to watch a production of Medea (!!!) on a beautiful sunny evening. I understand conceptually why TT director Yvonne Büdenhölzer wanted to start with a classic from a prominent director, but you’ve got to admit that kills-her-children Medea really isn’t much of a party starter.

Murmel Fashion (c) Mai Vendelbo
Premiere fashion at Volksbühne. Photo: Mai Vendelbo

Back to little quirky oddities: there’s the book exchange on the plywood party deck (English-language selections present at the opening: Welsh Crime and Mapping Cultural Diversity – Good Practices. Sex Verboten also looked interesting) and a Bauchladen vendor walking around with free candy and other random kitsch. Thank God that theater, unlike the Philharmonie or the Staatsoper, doesn’t feel the need to be classy and refined ALL the time. The strange rules of Berlin fashion also dictated Friday-night sightings of fluorescent accessories, blasts from the 1970s past, and one man wearing the Evian baby-body shirt (WTF?)

My personal favorite moment thus far came on Sunday afternoon: the Theater Award Berlin was presented to 80-year-old actor Jürgen Holtz, and in his nearly 40 minute long acceptance speech he ripped basically all of German theater a new one. In summary: internal politics and cultural budget cuts make for boring, low-quality conservative performances. (Jürgen Holtz tells a joke to the TT-blog in German.)

Stempelverleihung Fritsch Freude (c) Mai Vendelbo
Herbert Fritsch holding the stamp. Photo: Mai Vendelbo

Shift scene to the Volksbühne, imposing gray pulpit of concept theater on Rosa-Luxemburg Platz, for the second premiere of 10. Moving east makes for a younger crowd and a welcome anti-establishment tone – sure it’s your 50th anniversary, but it’s also just another performance, you self-important Wessis. Murmel Murmel director Herbert Fritsch admitted to being drunk as he received his award (a stamp? You’re selected as one of the 10 most remarkable productions that year and you get a STAMP? Sometimes one can take quirky a bit too far…) The vendor(ess) was dressed in retro Pan-Am gear this time (Pan-Am lounge is this year’s location for the Stückemarkt festival for new drama) and the percentage of hipster glasses and patterned leggings at the premiere party went up by a factor of eight.

Panam Stewardess (c) Mai Vendelbo
Pan-Am revival. Photo: Mai Vendelbo

Premiere parties deserve a bit of attention. They’re open to anyone but it’s mostly a gathering of the city theater tribes, with international forum members (read: young networky theater makers) scattered around trying to negotiate the treacherous theater connections landscape. The jury’s praise is recited, the award (again: STAMP?!) is handed over and finally the precious words “The buffet is open” are recited and the party can really begin. Another massive difference to the States: there was food left OVER at this buffet. Where are the starving actors who would normally descend on any calorie source after it’s made open to those who hadn’t paid? Oh right, there’s money for theater here so actors don’t have to starve. Crazy.

Earlier that afternoon: after listening to Holtz attack contemporary state-funded theater, the audience escaped to feast on wine and bread at the reception (allusion to Christian communion purely coincidental). Was there cheese? Nope. Remember those budget cuts?

TTtv: Theater Theater

Heute tauchen im TTtv die Workshopleiter des Internationalen Forums, einem Akademie-Programm des Theatertreffens, auf: der slowenischen Künstler Janez Janša erklärt sein Projekt mit Klagemauern aus Eis, Stefan Kaegi von Rimini Protokoll spielt Mitschnitte der Hauptversammlung von Daimler ein, Benjamin Foerster-Baldenius von raumlabor hatte eine Diashow für Instant Urbanism mit. Zusätzlich: niedlicher Tiercontent.

Die Lust am Verriss

Dem am Ende plötzlich Tragik abgewinnen zu wollen, wirkt bemüht bis blöd!
Das einzige, was fehlt, sind Ohrfeigen und verrutschte Toupées!
Die Inszenierung kommt gar nicht dazu, am Text zu scheitern!

(Eigenzitat)

Verrisse zu schreiben ist ein Genuss. Verrisse sind das einzig Erhabene, was Theater je hervorzubringen imstande war. Verrisse umgibt eine religiöse Aura. Echte Verrisse zertrümmern das Porzellangeschirr in der Regiestube, spielen Rock’n Roll im Schlafzimmer der Intendanz, lassen Freundschaften und Ehen zerbrechen, machen die Souffleuse stutzig.

Es gibt Leute, die meinen, Verrisse hätten was mit der Laune des Kritikers zu tun oder mit der Qualität der Inszenierung. Das ist naiv. Ein echter Verriss braucht das alles nicht. Er folgt in seiner Genese ganz anderen Bedingungen und gründet zuletzt in einer fast schon selbstlosen Hingabe an die Inszenierung. Und noch eine Bemerkung: Spätestens seit dem Bestehen von nachtkritik.de herrscht immer wieder Angst vorm harten Ton anonymer Kommentare. Das sind aber keine Verrisse, wie ich sie meine. Ich meine mit Verriss eine Kritik, die es schafft, auf die Bühne zu schleichen, um dort selbst zum Akteur zu werden, zu brüllen, die Requisite kleinzutreten und Feuer zu legen.

Warum werden Verrisse geschrieben?

Einen Theaterabend, der komplett versagt hat, an seinen peinlichen, erbärmlichen Stellen zu packen und an die Wand zu klatschen, befriedigt so tief, wie es keine Lobeshymne über einen Theaterabend vermag, der alles richtig gemacht zu haben scheint. Wenn man eine Vorstellung bejubelt, bleibt man selten allein. Meist drängen sich plötzlich Zuschauer um einen, die applaudieren, kreischen, glucksen, trampeln. Der Verriss hingegen ist exklusiv: Er berichtet zunächst nur, mal rutscht ein anerkennendes Wort raus, die Inszenierung bekommt Fallhöhe unterstellt. Dann erst kann der Verriss pietätlos dreinschlagen. Diese Mühe macht sich kein enttäuschter Zuschauer auf dem Nachhauseweg. Er flucht eher, wie es auch vom anonym Kommentierenden erwartet wird. Kaum einer ahnt, was ihm dabei entgeht.

Hierin liegt nämlich der Schlüssel zum Verriss: Der formale Respekt, der anfänglich noch moderate Ton, das Hervorheben vergangener Leistungen von Regie oder Ensemble, Dinge, auf die sonst niemand kommen würde. Nur so kann die Kritik langsam einen eigenen Charakter entwickeln, sich dezent vom Sitzplatz erheben und unter Entschuldigungen durch die vollbesetzten Reihen drücken, Hemd hochkrempeln, Schlips zurechtrücken und unbeobachtet den Gang entlang Richtung Bühne schleichen. So wie die echte Verachtung erst im Schreibprozess entsteht, wird die Kritik erst durch das Schleichen zum echten Verriss. Es gibt dabei vornehmlich zwei Arten zu schleichen: Ironisch, mit einem Augenzwinkern in Richtung Zuschauerraum und leichten Knuffen in die Rippen der Kollegen, oder intellektuell-pedantisch, mit adretter Haltung und Verweis auf das Recht, den Platz während der Aufführung zu verlassen. Männlicher Habitus in jedem Fall, aber auch ein bisschen Selbstzensur, es müssen ja noch Sätze zustande kommen.

Hat die Kritik es aber erst einmal auf die Bühne geschafft, gibt es kein Halten mehr. Zum Verriss mutiert, wirft sie sich die Kleider vom Leib, reißt den Vorhang samt Halterung und Gebäudeteilen herunter, würgt mit jeder Hand einen Schauspieler, um die Köpfe wie Glocken läuten zu lassen, bewirft die Techniker mit Mobiliar, beißt dem Inspizienten die Nase ab und hängt das Regieteam kopfüber an die Beleuchtung. Wichtig dabei: Gleichmut bewahren. Ein „Schade“ oder „Leider“ ist jetzt nicht mehr angebracht.